DEPERCIA

AS MIMOSAS DA PRAÇA TIRADENTES

2012-01-29T20:20:00.000-08:00

Excelente espetáculo. Inteligente e voltado para informações que resgatam o cenário artístico brasileiro em especial à Praça Tiradentes do seu apogeu, O Rio de Janeiro que desejamos. Um humor inteligente e elenco de qualidade ficam os pés no Teatro Carlos Gomes. Cláudio Tovar em especial brilha na sua ampla pluralidade de personagens. Musical que surpreende por conter raízes brasileiras e ao mesmo tempo universais. Vale a pena conferir.
Texto: Gustavo Gasparani, Eduardo Rieche

Direção: Gustavo Gasparani, Sergio Módena

Direção musical: João Callado, Fernando Duarte

Elenco: Cláudio Tovar, César Augusto, Gustavo Gasparani, Jonas Hammar, Marya Bravo, Milton Filho

OBRA PRIMA E A ELITE CULTURAL

2012-01-22T16:40:00.000-08:00

“Em algum lugar no campo. Um fazendeiro, sua filha, uma charrete e um velho cavalo. Lá fora, o vento sopra”. A própria sinopse do filme O Cavalo de Turim pode suscitar a curiosidade de algumas pessoas e afugentar outras. A história cabe nas simples palavras acima, mas a duração é de 2h30. Ora, como o diretor compõe sua história? Em outras palavras, o que pode-se ver concretamente em tanto tempo de “vento que sopra”?

Muito foi dito sobre este Cavalo de Turim, principalmente

alguns elementos copiados e colados diretamente dos

materiais de imprensa, e repetidos pela imprensa sem

nenhuma reflexão. Falaram bastante sobre Nietzsche e o

episódio do cavalo (o filósofo abraçou um cavalo maltratado

antes de enlouquecer), mas exceto a referência lacônica do

narrador no início, não há nada mais sobre esta história aqui

– tratar o filme de “biografia do cavalo” é um tanto absurdo

. Outros falaram que “Béla Tarr filma o fim do mundo”

, outra frase repetida em todos os cantos e tão

grandiloquente quando inexata. Tentar aproximar este filme

de Melancolia e Árvore da Vida pelo aspecto “apocalíptico”

seria uma tentação pouco justificável.

Talvez estas aproximações e atalhos fáceis venham do fato que este filme húngaro é uma surpresa difícil de catalogar, por isso qualquer interpretação pronta parece bem-vinda. Os críticos franceses preferiram as expressões adjetivas e pouco descritivas: “Este fim do mundo tem a aparência de um murmúrio” (Excessif), ele“resiste a toda perspectiva de transcendência” (Chronic’Art), uma experiência “única, sensorial, poética, enigmática, inesquecível” (La Croix), “Béla Tarr faz um mundo diante dos nossos olhos” (Le Monde), “o cinema de Tarr não procede por rupturas, mas por deslizamentos sucessivos”

FILME IRANIANO GANHA "GLOBO DE OURO"

2012-01-20T18:34:00.000-08:00

"A Separação" é a quinta realização do diretor iraniano Asghar Farhadi e a segunda dele a ser premiada no Festival de Berlim. Há três anos, Farhadi foi ao festival alemão com "Procurando Elly", que lhe valeu o Urso de Prata de melhor direção. No ano passado, ganhou o Urso de Ouro pelo novo filme. Esta semana, o diretor esteve em Los Angeles para receber o Globo de Ouro de melhor filme em língua estrangeira e está na lista de nove concorrentes à categoria no Oscar. O filme estreia nesta sexta-feira (20) no Brasil.

Farhadi coloca em cheque várias questões morais a partir da história de um casal laico de classe média que decide se separar. Simin (Leila Hatami) conseguiu um visto e tem 40 dias para sair do país, mas seu marido Nader (Peyman Moaadi) não quer abandonar o pai doente e dependente. Entre os dois, há a filha de 11 anos, Termeh (Sarina Farhadi). A mãe não quer se afastar dela, mas a menina prefere ficar com o pai.

FESTIVAL SUNDANCE 2012

2012-01-19T18:11:00.000-08:00

A cadeira do pai, de Luciano Moura, é o único longa-metragem brasileiro no Festival de Sundance, que começa amanhã sua 28ª edição em Park City (Utah, EUA). O filme, cuja primeira exibição internacional acontecerá no maior palco independente, integra a mostra competitiva Cinema Mundial.

Criado pelo ator e diretor Robert Redford, o Sundance teve seu início em 1981 como uma mostra local sem maiores repercussões, o US Film Festival. Ao longo dos anos teve um grande crescimento e se transformou em um mega evento e numa caça ao ouro pelos distribuidores e olheiros, na busca daquele filme inovador e criativo de baixo orçamento que de repente poderá render milhões.

John Cooper, diretor do Festival, avalia que a edição 2012 traz uma enorme e inédita diversidade de temas. “Isso tornou a seleção bem mais difícil. Muitos filmes da programação quebram estilos convencionais e inovam na forma de contar histórias”, afirma Cooper, no seu terceiro ano à frente do Sundance, em substituição à Geoffrey Gilmore que dirigia o evento desde 1990.

As modificações introduzidas nas duas últimas edições serão mantidas. A principal delas é que não há mais título de abertura. Ao invés de apenas um filme iniciar o evento serão exibidos um drama e um documentário da competição para representar cada um dos principais grupos de filmes do festival.

GRAFITES GREGOS

2012-01-15T19:58:00.000-08:00

Galeria: crise financeira inspira grafites em Atenas

Coloridos e cheios de detalhes, desenhos reproduzem o sentimento de revolta dos gregos
Na Grécia, berço da cultura ocidental, as manifestações contra as impopulares medidas de austeridade do governo vêm ganhando forma também por meio da arte. Centenas de grafites espalhados por Atenas mostram a insatisfação dos gregos com a atual situação econômica do país.
Enquanto o governo contrai empréstimos bilionários com o FMI (Fundo Monetário Internacional) e a União Europeia, a taxa de desemprego cresce a cada mês. No segundo trimestre de 2011, o índice atingiu 16,3%.
Coloridos e cheios de detalhes, os desenhos reproduzem o pensamento da maioria da população, que enxerga o governo, o atual sistema financeiro e os bancos como os principais responsáveis pela crise.

COMENTÁRIO SOBRE O ARTIGO DE CHARLES SAATCHI

2012-01-15T16:38:00.000-08:00

Saatchi

Vicente de Percia

Em Recente artigo de charles Saatchi o colecionador e galerista dono da Saatachi Galery em Londres comenta que os novos compradores superricos de arte são vulgares e deprimentes. Fala que ser um marchand nos dias de hoje é ser vulgar, Chega a usar termos como de serem dotados de uma autoestima em níveis masturbatórios. Classificando-se como um elemento narcisista e que defende seus próprios interesses, acha repugnante esse novo mundo das artes. Ao mesmo tempo que confessa certo desprezo e crítica aos colecionadores e a um mercado inconsistente que não está preocupado em formar opiniões e tão pouco aprimorar o senso-crítico. Acrescenta que não lucra com obra de arte, o mesmo é revestido na compra de mais obras de arte. Tece censuras aos críticos de arte por não comparecerem "democraticamente" às exposições e a um público dispersivo que no dia da vernissage não observa a exposição com interesse. Quanto aos curadores profissionais: " ....selecionar telas especificas para uma exposição é uma perspectiva que assusta, por ser uma demonstração reveladora demais da falta daquilo que nós, do ramo, chamamos de olhar". Enfatiza que os " artistas contemporâneos" preferem exibir vídeos, além de incompreensíveis instalações pós-conceituais e painéis de fotos e textos, submetendo-se à aprovação dos seus pares igualmente inseguros e míopes. Termina com certa defesa de suas mostras. Seu texto do " THE GUARDIAN" e publicado, também na " FOLHA DE SÂO PAULO". Reitera a meu ver, independente das controvérsias de Saatachi, e dos seu eu confesso, a necessidade de urgente de uma revisão na produção atual da arte, infelizmente globalizada por uma postura oportunista e sem credibilidade .

UMA OBRA SEM EXPRESSÃO

2011-12-24T12:32:00.000-08:00

"A morte da esposa, causada por queimaduras extremas e pela depressão por ficar desfigurada, fez com que o cirurgião Robert Ledgard buscasse todos os recursos e criasse uma pele transgênica sensível e mais resistente. Como cobaia utilizou uma moça mantida em cárcere privado. Numa segunda parte, o filme retrocede para mostrar a filha do médico com transtornos psicológicos graves causados por uma tentativa de estupro numa festa de casamento. Almodóvar faz adaptação da obra do escritor francês Thierry Jonquet, relembra o Dr. Frankenstein."
Um filme pretencioso e sem o chamamento peculiar de Almodovar. Se sua intenção foi chocar não conseguiu.A psiquê dos personagens são caricaturas fracas que desestrutura o drama. Uma salada onde o público amante do talentoso cineasta sai decepcionado.

PÁSSAROS BRASILEIROS CONTRABANDEADOS

2011-12-24T11:49:00.000-08:00

O galo-da-serra (Rupicola) e o rouxinol do Rio Negro (Icterus chrysocephalus) são dois pássaros pouco conhecidos da maioria dos brasileiros. Mas no Japão, estas e outras espécies existentes

na Amazônia são valiossímas. Considerado a Monalisa do tráfico, o rouxinol contrabandeado dos seringais da Amazônia é vendido pela bagatela de US$ 120 mil (R$ 261,2 mil) no lucrativo mercado internacional da biopirataria e do tráfico de animais.

A revelação foi feita por José Leland Juvêncio Barroso, analista do Instituto Brasileiro do Meio Ambiente e dos Recursos Naturais Renováveis (Ibama), no Amazonas , em depoimento à CPI da Biopirataria, em 2005. Além dos pássaros, segundo Leland, os biopiratas têm levado da Amazônia essências de plantas, microorganismos, peixes ornamentais, solo e até amostras de água dos rios amazônicos. Isso sem falar no sangue dos índios já à venda na rede mundial de computadores.

DEZ MELHORES FILMES DO ANO

2011-12-20T08:56:00.000-08:00

A revista francesa Cahiers du Cinéma revelou recentemente o seu top 10 melhores filmes de 2011, colocando em primeiro lugar “Habemus Papam”, de Nanni Moretti, em segundo lugar “O Estranho Caso de Angélica”, de Manoel de Oliveira e em terceiro lugar “The Tree of Life”, de Terrence Malick.

Habemus Papam, de Nanni Moretti

O Estranho Caso de Angélica, de Manoel de Oliveira

The Tree of Life, de Terrence Malick

Hors Satan, de Bruno Dumont

Essential Killing, de Jerzy Skolimowski

Melancholia, de Lars von Trier

Un été brûlant, de Philippe Garrel

Super 8, de J. J. Abrams

L’Apollonide, de Bertrand Bonello

Meek’s Cutoff, de Kelly Reichardt

JEAN GENET, TOUJOUR

2011-12-16T16:33:00.001-08:00

O Thèâtre du Gymnase, em Paris, onde Jean Genet viu estrear em 1960, pela mão de Peter Brook, uma versão de A Varanda que lhe desagradou profundamente, dedica-se hoje a espectáculos musicais e à apresentação sucedânea de peças com títulos como Os Homens Vêm de Marte e as Mulheres de Vénus, Como Casar com um Milionário e A Lésbica Invisível - One woman show. Longe, portanto, de peças de confronto e reflexão como as que Genet desejava, ao ataque de um público que se havia aburguesado e recusava ver, e estar, num teatro, como se estivesse em carne viva.

ESTUDO MOSTRA QUE A VIDA É POSSÍVEL EM MARTE

2011-12-12T18:29:00.000-08:00

SYDNEY — Cientistas australianos, que desenvolveram um modelo das condições de Marte para examinar quais regiões seriam habitáveis, afirmaram em um artigo publicado na edição desta segunda-feira da revista científica Astrobiology que "vastas regiões" do planeta vermelho poderiam abrigar a vida.
A equipe de Charley Lineweaver, da Universidade Nacional Australiana, comparou modelos de condições de temperatura e pressão com as de Marte para calcular quanto do planeta seria habitável para organismos similares aos terrestres.
Enquanto apenas 1% do volume da Terra - do centro à alta atmosfera - abriga vida, Lineweaver disse que seu modelo inédito demonstrou que 3% de Marte são habitáveis, embora a maior parte deste percentual esteja no subterrâneo.
"O que tentamos fazer, simplesmente, foi pegar quase toda a informação de que dispunhamos, juntá-la e dizer 'a ideia geral é consistente com a existência de vida em Marte?'", disse o astribiólogo à AFP.
"E a resposta simples é sim... Há vastas regiões em Marte que são compatíveis com a vida terrestre", acrescentou.
Enquanto estudos anteriores assumiram uma abordagem "fragmentada" ao examinar locais específicos de Marte em busca de sinais de vida, Lineweaver disse que sua pesquisa é uma "compilação abrangente" de todo o planeta, com base em décadas de dados.
Foi encontrada água congelada nos pólos de Marte e o estudo da universidade australiana examinou quanto do planeta poderia reter água, "que o tornasse habitável nos padrões terrestres para micróbios similares aos terrestres".
O ambiente de baixa pressão de Marte significa que a água não pode existir em estado líquido e vaporizaria na superfície, mas Lineweaver afirmou que as condições seriam adequadas no subterrâneo, onde o peso do solo daria a pressão adicional necessária.
O planeta seria quente o suficiente em algumas profundidades para bactérias e outros microorganismos se desenvolverem, devido ao calor do centro do planeta.
A temperatura média na superfície de Marte, o vizinho mais próximo da Terra, é de -63ºC.
Lineweaver afirmou que seu estudo é "a melhor estimativa já publicada sobre quão Marte é habitável para os micróbios terrestres" e uma descoberta significativa, uma vez que a humanidade evoluiu a partir da vida microbiana.

DESENHOS INDIGENAS BRASILEIROS

2011-12-08T19:05:00.000-08:00

Os índios Kadiwéu ou Cadiuéu são também chamados de índios cavaleiros, descendentes dos Mbaya-Guaicurus, com fama de terem sido excelentes guerreiros. Nos conflitos escondiam-se no dorso dos cavalos para enganar os inimigos, fazendo-os pensar que os cavalos estavam sem cavaleiros. Destacaram-se pela tenaz resistência, imposta aos espanhóis e portugueses, em conflitos na bacia do rio Paraguai quando da colonização do Brasil.
Habitam a Serra da Bodoqueira, entre Bonito e Jardim, no Mato Grosso do Sul, num território de 100 mil hectares. Suas principais atividades são a criação de gado, a agricultura de subsistência, a caça, a pesca e o maravilhoso artesanato.
Os Kadiwéu são admirados pelo excelente trabalho que realizam com o barro, principalmente no que se refere à decoração das peças. São desenhos geométricos com cores fortes - preto, vermelho, ocre, amarelo, branco, verde e outras. Os corantes utilizados são naturais: minerais e vegetais da região.
A trabalho de modelar o barro é predominantemente feminino, como sempre acontece nas tribos indígenas.
Os desenhos gráficos dos Kadiwéu influenciam bastante os trabalhos de estilistas, pintores e outros artistas de Mato Grosso do Sul. Nas lojas de Campo Grande, capital do estado, é comum encontrar os mais variados objetos ostentando símbolos artísticos dos indígenas.
Algumas lojas de artesanato de Bonito vendem peças cerâmicas originais dos índios Kadiwéu, mas é preciso ter certeza da originalidade

ARTE POVERA

2011-12-08T18:26:00.000-08:00

Arte Povera, significa Arte Pobre e foi um movimento artístico italiano que se desenvolveu na segunda metade da década de 60. Este grupo de jovens artistas italianos, sitiados em Turim, Milão, Génova e Roma, usava materiais de pintura não convencionais, como por exemplo a areia, madeira, sacos, jornais, cordas, terra e trapos, com o intuito de empobrecer a pintura e eliminar quaisquer barreiras entre a arte e o dia-a-dia das pessoas. Esta corrente surje num momento em que os artistas se voltam para a natureza ou derivados, rompendo com os processos industriais, mostrando o empobrecimento de uma sociedade guiada pelo acumular de riquezas materiais.

ARTE DA RELAÇÃO / PRESENÇA

2011-12-01T20:06:00.000-08:00

Vôo III, objeto de Gilda Goulart

Regia d' Itália :Tela, série Mandalas, de Vicente de Percia

Collettiva degli artisti plastici Gilda Goulart e Vicente de Percia. Goulart basa e si ispira per le sue opere nello stilista italiano Emilio Pucci; sono oggetti composti da vari materiali e tecnica mista, alti e bassi rilievi con cromatismi accentuati come quelli di Pucci, artista degli anni 60 che influenzò il designer mondiale. De Percia con la propria tematica "Mandala" mostra tecnica mista su tela sottolineando la circonferenza; in particolare questa opera ricorda i colori dell'Italia, rosso, bianco e verde. Completa l'ambiente con oggetti che rappresentano un omaggio all'Arte Povera italiana. Sono materiali presi dalla vita quotidiana. Andrea Lanzi Arte : de Percia, Vicente. Título: Regia d' Itália. Técnica: tinta acrílica s/ tela, colagem, assemblage, diâmetro 1m 20cm

BRASITALIA - Forte Copacabana, Rio de Janeiro de 7 a 11 de Dezembro das 10hs às 23hs

IMAGENS DO INFERNO CONTEMPORÂNEO

2011-11-29T17:03:00.000-08:00

Por Alexandre Pilati
Está disponível no Brasil uma das obras primas de Dino Buzzati (1906-1972), autor italiano internacionalmente conhecido pelo romance O deserto dos tártaros (1940). Trata-se do Poema em quadrinhosi (Poema a fumetti, 1969), uma lancinante recriação gráfica e textual da descida de Orfeu aos infernos à procura de sua amada Eurídice. Dessa reunião entre grafismo e um texto poeticamente apuradíssimo nasceu uma das mais originais recriações do mito órfico e uma das mais instigantes viagens críticas nos meandros das estruturas políticas e culturais da alta modernidade.
Ao que parece, a forma encontrada por Buzzati para se expressar é fruto de um profundo dilaceramento do criador quanto aos materiais que escolhe para dar vazão à matéria poética. Longe de ser um mero texto ilustrado, Poema em quadrinhos é um texto de grande densidade poética articulado, de maneira magistral, a um registro gráfico que não é apenas legenda imagética do texto, mas que funciona como uma instância outra da própria poesia que a criação buzzatiana emana. Nesse sentido, a obra também poderá ser lida como um grito órfico (pela possibilidade de resistência crítica da arte) no meio da pasmaceira estética da indústria cultural. A fórmula de Buzzati, entre texto e imagem, surge, talvez, do dilema que foi indicado por ele mesmo em um livro de entrevistas, intitulado Dino Buzzati, pitore (1969). Como aparece reproduzido na edição brasileira, o artista afirma sobre o seu metier: “Sou um pintor que, por hobby, durante um período infelizmente bastante longo, fez-se também escritor e jornalista. O mundo, no entanto, crê que seja o contrário e não ‘pode’ levar a sério minhas pinturas”.
Levando a sério a empreitada gráfica e textual de Buzzati no Poema em quadrinhos, o leitor poderá fruir a eficácia estética atingida pelo autor na combinação das duas linguagens, que, na obra, diga-se de passagem, funcionam como uma terceira e potente linguagem artística, tamanha é a integração tensionada entre elas. E não poderia ser diferente, uma vez que a escolha do próprio tema impõe um desafio formal ao autor. Trata-se do velho mito de Orfeu que desce aos infernos para resgatar a amada Eurídice. Adaptado para a realidade contemporânea, os personagens centrais são nomeados como Orfi, um jovem cantor pop, e Eura, sua amada que desce ao inferno. Este nada mais é do que uma casa misteriosa e fantasmática na Via Saterna, em Milão, localizada em frente à janela de Orfi. Um dia, o cantor vê entrar na casa um vulto que lhe parecer ser o de Eura, que ultrapassa a porta, como se fosse um espírito. Posteriormente, Orfi sabe que Eura estava morta e decide entrar na casa-inferno para resgatar sua amada. Depois de uma série de acontecimentos, é dada a Orfi a chance de cantar uma canção capaz de emocionar o reino dos mortos o que lhe dará a oportunidade de encontrar a sua amada e retornar ao mundo dos vivos.

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CORPORAÇÕES

2011-11-26T20:21:00.000-08:00

Por Ladislau Dowbor* “There is a big difference between suspecting the existence of a fact andin empirically demonstrating "

Todos temos acompanhado, décadas a fio, as notícias sobre grandes empresas comprando-se umas as outras, formando grupos cada vez maiores, em princípio para se tornarem mais competitivas no ambiente cada vez mais agressivo do mercado. Mas o processo, naturalmente, tem limites. Em geral, nas principais cadeias produtivas, a corrida termina quando sobram poucas empresas, que em vez de guerrear, descobrem que é mais conveniente se articularem e trabalharem juntas, para o bem delas e dos seus acionistas. Não necessariamente, como é óbvio, para o bem da sociedade. Controlar de forma organizada uma cadeia produtiva gera naturalmente um grande poder econômico, político e cultural. Econômico através do imenso fluxo de recursos – maior do que o PIB de numerosos países. Político, através da apropriação de grande parte dos aparelhos de Estado. Cultural, pelo fato da mídia de massa mundial criar, através de pesadíssimas campanhas publicitárias – financiadas pelas empresas, que incluem os custos nos preços de venda – uma cultura de consumo e dinâmicas comportamentais que lhes interessa, e que gera boa parte do desastre planetário que enfrentamos. Uma característica básica do poder corporativo, é o quanto é pouco conhecido. As Nações Unidas tinham um departamento, UNCTC (United Nations Center for Transnational Corporations), que publicava, nos anos 1990, um excelente relatório anual sobre as corporações transnacionais. Com a formação da Organização Mundial do Comércio, simplesmente fecharam o UNCTC e descontinuaram as publicações. Assim, o que é provavelmente o principal núcleo organizado de poder do planeta deixou simplesmente de ser estudado, a não ser por pesquisas pontuais dispersas pelas instituições acadêmicas, e fragmentadas por países. O documento mais significativo que hoje temos sobre as corporações é o excelente documentário “A Corporação” (The Corporation), estudo científico de primeira linha, que em duas horas e doze capítulos mostra como funcionam, como se organizam, e que impactos geram. Outro documentário excelente, “Trabalho Interno” (Inside Job), que levou o Oscar de 2011, mostra como funciona o segmento financeiro do poder corporativo, mas limitado essencialmente a mostrar como se gerou a presente crise financeira. Temos também o clássico do setor, “Quando as Corporações Regem o Mundo” (When Corporations Rule the World) de David Korten. Trabalhos deste tipo nos permitem entender a lógica, geram a base do conhecimento disponível. Mas nos faz imensa falta a pesquisa sistemática sobre como as corporações funcionam, como se tomam as decisões, quem as toma, com que legitimidade. O fato é que ignoramos quase tudo do principal vetor de poder mundial que são as corporações. Agindo no espaço planetário, e na ausênciade um governo mundial, poucas empresasmanejam grande poder, sem nenhum controle É natural e saudável que tenhamos todos uma grande preocupação em não inventarmos conspirações diabólicas, maquinações maldosas. Mas ao vermos como nos principais setores as atividades se reduziram no topo a poucas empresas extremamente poderosas, começamos a entender que se trata, sim, de poder político. Agindo no espaço planetário, e na ausência de governo mundial

CRÍTICA DA ÓPERA "A VALQUÍRIA" DE RICHARD WAGNER TEMPORADA 2011, THEATRO MUNICIPAL DE SÃO PAULO

2011-11-23T18:10:00.000-08:00

"A Valquíria" drama em três atos libreto e música de Richard Wagner estreou no Theatro Municipal de São Paulo em 17 de Novembro, temporada 2011 com várias récitas. A célebre e difícil ópera exige cantores com timbres e perfomaces diferenciados, fora cenários e figurinos que aproximem o público com O Ouro do Reno e a trilogoia Wagneriana porém, isto não ocorreu nessas récitas. " "A Valquíria" inicia-se com a tormenta e no " Ouro Do Reno" assistimos as belas encenações aquáticas e o Reno correndo para o Mar.
"A Valquíria" a intensidade Wagneriana explode desde o I ato após o casamento de Sieglinde e Sigmund ignorando a força e divindade de Wotan. O prelúdio é um chamamento de uma tempestade. Raios, trovões. A condução musical do I ato oferece o brilho dos contra baixos e violoncelos e abre para Sigmund a sua gloriosa entrada. No papel de Sigmund, Martim Muehle não convence, não possui a voz para o enfrentamento com os instrumentos e o volume exigido, mostra-se um herói titubeante. A atração dos dois irmãos com duplo significados e das constantes emoções e pressentimentos estão plantados. Há mudanças do clima da música e Muelhle não corresponde a elas. Lee Bisset (Sieglind), soprano escocesa, vive seu personagem com distinção, apesar de alguns floreios que antecipa a vontade de vê-la em uma ópera de Verdi, brilha com sua voz e presença. Gregory Reinhart (Hunding), baixo americano é perfeito, com excelente voz e apropriado para o papel nos aproxima do pesado acompanhamento das trompas. A forte emoção é prejudicada por um figurino eclético, incompreensivo, a tentativa de ser "contemporâneo" se perde por falta de um segmento estético cênico. Com um cenário barroco, cheio de objetos desnecessários, lustres de cristais, moveis atuais, ex votos, o afastamento se dá impedindo o público apreciar através da identidades mitológicas às cenas e cantos magistrais. A exortação para vitória dos Wälsung é o extase da paixão no beijo dos irmãos; a conquista da espada não é bem resolvida. " Existe autoridade do compositor, ela está permanentemente tecendo percepções dos afetos, e seus personagens enquadram-se em metáforas do inconsciente para surpreender e narrar uma dialética onde o personagem central praticamente não luta com um antagonista" Vertentes do Amor e Morte" edit/ Bow Art International , 2009, SP. Vicente de Percia.
II Ato
Novamente no prelúdio são ouvidos a cavalgada das Valquirias. Janice Baird, soprano americna defende com fidelidade (Brünnilde). Já Stefan Heideman( Wotan) não convence. A atmosfera tempestuosa que deveria estar presente não existe e, é novamente prejudicada pelo controvertido figurino e cenário. No cenário uma tentativa inútil de uma desterritorização voltada para signos, símbolos e arquétipos brasileiros, não convence. Denise de Freitas (Fricka) meiossoprano brasileiro também não possui o registro Wagneriano, oscila nos agudos e imprime a seu personagem, gestos exagerados, parece querer dominar a cena a todo custo, com voz equivocada perde a ascensão que o personagem exige. Passa despercebida a sua exigência da vingança de Wotan em relação a Hunding. O canto de morte profético não convence, falta a solenidade Wagneriana. É o ato mais fraco, pois não possibilita a grande retirada cênica de Sieglind, o grito de horror. A despedida.
AtoIII
A Cavalgada das Valquíras abre esse ato. A extrema agitação exigida se perde diante dos figurinos, cenários e alegorias apresentados, "carnavalesco". A notícia e profecia que Brünnhilde anuncia a Sieglinde que será a mãe Siegfried está voltada no motivo de Siegfried. Não há mudanças expressivas nesse ato; os rostos dos deuses desfigurados em face da desobediência; à cena em que a Valquíria jaz em penitência aos pés do pai é desperdiçada. Já os sentimentos de Wotan, o dever de punir não são claros. A cena entre Wotan e Brünnilde e introduzida por uma passagem orquestral é o melhor deste ato. Os demais cantores contribuiram em parte para este desafio que foi a montagem de A Valquíria de Richard Wagner ausente dos nossos palcos à décadas. A Orquestra Sinfônica Municipal, regência e direção de Luiz Fernando Malheiro saiu-se bem, valorizando as trompas, harpa e trazendo o fogo mágico dos deuses. André Heller merece nossa atenção, porém não se viu " A Valquíria" tão aguardada. O Theatro Municipal de São Paulo apesar de anunciar todas as récitas esgotadas a casa tinha muitos lugares vazios. Grande parte do público abandonou o espetáculo no final do II ato. O que denúncia que o espetáculo não agradou como anunciado.
Vicente de Percia

Comentários

A crítica de Vicente de Percia revela conhecimento da obra de Wagner e seus comentários se assemelham muito com as minhas opiniões sobre a produção desta ópera no Theatro Municipal.Parabéns pela perfeita compreensão e reconhecimento dos erros no que se refere à "reggia" de André Heller Filipe, bem como nas concepções cenográficas e na escolha das vozes intérpretes de seus personagens.
Por Marco Antonio Seta em CRÍTICA DA ÓPERA "A VALQUÍRIA" DE RICHARD WAGNER ... às 05:48

Marco Antonio Seta disse...
A crítica de Vicente de Percia revela conhecimento da obra de Wagner e seus comentários se assemelham muito com as minhas opiniões sobre a produção desta ópera no Theatro Municipal.Parabéns pela perfeita compreensão e reconhecimento dos erros no que se refere à "reggia" de André Heller Filipe, bem como nas concepções cenográficas e na escolha das vozes intérpretes de seus personagens.

21:00

Maria João Machado disse...
Consistente crítica de um conhecedor de Richard Wagner

Maria João Machado

Lisboa Portugal

Antônio V Perdegann disse...
Li e gostei. Parabéns

ARTE POVERA NA ITÁLIA

2011-11-12T13:13:00.000-08:00

L’arte resta Povera ma si fa ricchissima… come ha dimostrato la scorsa edizione di Bologna Arte Fiera: tra le opere storiche più vendute spiccavano quelle degli autori dell’Arte povera.
Un rilancio sul mercato in concomitanza con la preparazione di una grande mostra-evento.Se ne è parlato presso la Triennale di Milano, lo scorso 22 gennaio, quando è stato ufficialmente presentato il progetto Arte povera, a cura di Germano Celant, mostra - evento che si svolgerà contemporaneamente, nell’autunno - inverno 2011, in diverse e importanti istituzioni museali e culturali italiane, nelle città di Bologna, Milano, Napoli, Roma e Torino.
L’iniziativa, che ha come fulcro il movimento nato nel 1967 con gli artisti Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Pino Pascali, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini, Gilberto Zorio, ha lo scopo di presentare su scala nazionale ed internazionale gli sviluppi storici e contemporanei di questa ricerca.
Il progetto vuole distribuire le varie fasi e i singoli momenti linguistici in differenti contesti, dal MAXXI di Roma alla Venaria Reale di Torino, dal MaDRE di Napoli al MAMbo di Bologna e alla Triennale di Milano.Insieme ai singoli responsabili museali Pio Baldi e Anna Mattirolo per il MAXXI, Alberto Vanelli per la Venaria Reale, di Eduardo Cicelyn per il MaDRE, di Gianfranco Maraniello per il MAMbo e di Davide Rampello, per la Triennale, il curatore Germano Celant ha concepito un progetto di mostra che, mettendo insieme un alto numero di opere storiche e recenti, possa funzionare come un viaggio nel tempo dal 1967 a oggi, in diverse situazioni architettoniche e ambientali, attraverso gli avvenimenti e i protagonisti dell’Arte povera.
Leggi il comunIcato di ITALIA150
2011: Arte povera in Italiaa cura di Germano Celantautunno - inverno 2011

CULTURA DE CRISE OU CRISE DE CULTURA?

2011-11-03T17:51:00.000-07:00

Por Rafael Azzi*
É consenso que vivemos atualmente uma crise do capitalismo e de seus valores. Então, é preciso entender melhor como funciona esse sistema, suas vantagens, suas desvantagens e sua história, a fim de buscar possíveis saídas para os problemas surgidos.
O sistema capitalista nasce em oposição ao antigo sistema aristocrático no qual as pessoas eram diferenciadas por seu nascimento. No sistema antigo, poderia-se nascer nobre, rico e cheio de privilégios ou nascer plebeu e sem direitos. Dificilmente essa situação mudaria ao longo de sua vida ou na de seus descendentes.
O sistema capitalista surgiu em oposição a esse velho modelo e trouxe à tona duas noções admiráveis: o trabalho e o mérito.
Teoricamente, no sistema capitalista todos nascem com iguais condições de serem bem sucedidos. Aquele que trabalhar e produzir mais pode subir na escala social e se tornar um vencedor. O mérito é o que diferencia quem sobe e quem desce. “Vence quem trabalha duro” é um dos pilares do pensamento capitalista.
Se isso já foi verdade algum dia, hoje não é mais, e este é o principal problema da crise. O sistema se transformou, e hoje o capital conseguiu se desvincular justamente dos dois formidáveis conceitos que o sustentavam, o trabalho e o mérito.
O problema da crise pode ser resumido em um simples lema: “faça o seu dinheiro trabalhar por você”. Na verdade, esse princípio retira o trabalho da equação do capital. Só os seres humanos podem trabalhar e produzir coisas ou ideias; o dinheiro não pode trabalhar nem produzir nada. Quando você faz o dinheiro “trabalhar”, na verdade está subtraindo da equação elementos como o trabalho, o esforço, a produção e o mérito. O dinheiro não se encontra mais no final da equação (trabalho + mérito = dinheiro), ele toma toda a equação (dinheiro = + dinheiro).
No entanto, isso se mostra falso, pois, como o dinheiro não é capaz de produzir nada sozinho, ele só se reproduz num sistema que tem por base uma única noção: a especulação. Criou-se um mercado bastante complexo no qual dívidas e promessas de lucro são vendidas e revendidas num ritmo alucinante, visando apenas à multiplicação do dinheiro através da multiplicação do risco envolvido. Assim, chegamos a um ponto em que 40% do PIB da maior economia do mundo é representado por um mercado baseado em nada, a não ser na pura especulação. As dívidas são roladas e especuladas com o simples objetivo de multiplicar o dinheiro, sem ter por lastro nenhum aumento de trabalho ou de produção. Mesmo um leigo em economia pode perceber que um sistema que não produz nada não pode se sustentar em longo prazo. Um dia, descobre-se que as fortunas foram construídas baseadas apenas em ar e então as bolhas estouram.
A questão central, portanto, não é a ganância desmedida dos envolvidos, mas o fato de o capital ter se desvinculado totalmente de princípios que lhe davam legitimidade e o sustentavam, como trabalho e produção. No novo sistema, o dinheiro gera mais dinheiro. Mas, como não há aumento da produção ou do trabalho, trata-se de ganho apenas virtual.
Atualmente, o dinheiro parece ser o único valor inquestionável da sociedade, seu único padrão. A melhor medida para dizer se uma sociedade vai bem ou vai mal é o desenvolvimento econômico. Basta que um país tenha dinheiro, não entram em cena questões como a felicidade da população, o respeito ao meio ambiente, os valores democráticos, os direitos humanos ou a possibilidade do desenvolvimento humano dos seus indivíduos.
Observa-se que o que vale para os países parece valer também para as pessoas. Não importa se o sujeito é mau caráter ou não, o importante para a sociedade atual é apenas o valor de sua conta bancária. Nosso único “valor” parece ser o financeiro.
Assim como as pessoas, os governos foram desviados do que é importante e passaram a ser guiados apenas pelo mercado financeiro. A lógica que realmente importa ao governo é a do crescimento econômico. Tal fato gerou uma relação de subserviência entre o poder político e o poder econômico. Desse modo, a democracia deixou de ser o governo do povo, para o povo e pelo povo e passou a ser o governo do dinheiro, para o dinheiro e pelo dinheiro.
Com o sistema financeiro ganhando autonomia e se distanciando das noções de trabalho e mérito, ele se distanciou também dos demais valores humanos. Eis o problema: o sistema se tornou desumano; a nossa sociedade se tornou desumana. Deixamos de nos importar com coisas que são relevantes para o ser humano e só conseguimos enxergar um valor: o monetário

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CONTRA O CAPITALISMO BAUMAN CONVOCA O IMAGINÁRIO

2011-10-31T06:11:00.000-07:00

Por Zygmunt Bauman Tradução: Daniela Frabasile Imagem: René Magritte: Falso Espelho, 1935 (detalhe)
As notícias sobre a morte do capitalismo são, parafraseando Mark Twain1, um pouco exageradas. A capacidade surpreendente de ressurreição e regeneração é inerente ao capitalismo. Uma capacidade parecida com a dos parasitas – organismos que se alimentam de outros organismos, estando agregados a outras espécies. Depois de exaurir completa ou quase completamente um organismo hospedeiro, o parasita normalmente procura outro, que o nutra por mais algum tempo.
Há cem anos, Rosa Luxemburgo compreendeu o segredo da misteriosa habilidade do sistema em ressurgir das cinzas repetidamente, assim como uma fênix; uma habilidade que deixa atrás de si traços de devastação – a história do capitalismo é marcada pelos túmulos de organismos que tiveram suas vidas sugadas até a exaustão. Luxemburgo, no entanto, restringiu o conjunto dos organismos que aguardavam em fila, esperando a conhecida visita do parasita, às “economias pré-capitalistas”, cujo número era limitado e em constante regressão, sob o impacto da expansão imperialista.
A cada visita sucessiva, outra terra “intocada” era convertida em campo de pastagem para a exploração capitalista. Portanto, mais cedo ou mais tarde, não serviriam mais às necessidades da “reprodução ampliada” do sistema, já que não ofereceriam os lucros que tal expansão requeria. Pensando por essa trilha (um viés completamente compreensível, dado que a expansão há cem anos era principalmente territorial, mais extensiva que intensiva, mais lateral que vertical), Luxemburgo só poderia antecipar os limites naturais da duração concebível do sistema capitalista. Uma vez que todas as terras “intocadas” do globo fossem conquistadas e integradas à máquina de reciclagem capitalista, a ausência de novas terras de exploração iria forçar, ao fim, o colapso do sistema. O parasita morre, quando faltam organismos vivos de onde possa retirar alimento.
Hoje o capitalismo já atingiu uma dimensão global, ou está muito próximo disso – um cenário que Luxemburgo via em horizonte distante. Sua previsão estará a ponto de se concretizar? Penso que não. Nos últimos 50 anos, o capitalismo aprendeu a inimaginável e desconhecida arte de criar novas “terras intocadas”, em vez de se limitar às já existentes. Essa nova arte tornou-se possível porque o sistema viveu uma transição. A “sociedade de produtores” converteu-se numa “sociedade de consumidores”. E a fonte principal da “agregação de valor” já não está na relação capital-trabalho, mas na que há entre mercadoria e cliente. Lucro e acumulação baseiam-se principalmente na progressiva mercantilização das funções da vida; na mediação, pelo mercado, da satisfação de necessidades sucessivas; na substituição do desejo pela necessidade, como engrenagem principal da economia voltada para o lucro.
A crise atual deriva da exaustão de uma dessas “terras intocadas” criadas artificialmente. Milhões que pessoas foram obrigadas a abandonar a “cultura dos cartões de crédito” para se dedicar à “cultura das planilhas de gastos”. Por algum tempo, elas foram estimuladas a gastar o dinheiro que ainda não haviam ganhado, vivendo com crédito, falando de empréstimos e pagando juros. A exploração dessa “terra intocada” particular está, em linhas gerais, acabada. O sistema entregou para os políticos a tarefa de limpar os detritos deixados pela farra dos banqueiros. É algo que entrou na lista dos “problemas políticos”: passou de “problema econômico” para (citando a chanceler alemã, Angela Merkel) algo dependente de “vontade política”. Mas alguém poderia duvidar que estão em construção novas “terras intocadas” – as quais também terão vida bastante limitada, dada a natureza parasítica do capitalismo?
O sistema funciona por um processo contínuo de destruição criativa. O que se cria é capitalismo numa “fórmula nova e melhorada”; o que se destrói é a capacidade de auto-sustentação e vida digna nos inúmeros “organismos hospedeiros” para os quais todos somos atraídos e ou seduzidos, de uma maneira ou de outra. Suspeito que um dos recursos cruciais do capitalismo deriva do fato de que a imaginação dos economistas – incluindo os que o criticam – está muito atrasada em relação à sua invenção, a arbitrariedade do seu procedimento e crueldade com que opera

CRAZY HORSE

2011-10-21T14:24:00.000-07:00

Após filmar o balé de Paris e uma academia de boxe nos Estados Unidos, Crazy Horse (2011) é a terceira vez seguida em que o documentarista Frederick Wiseman se aventura pelas imagens de corpos, de treinos e de preparação física. Existe entretanto uma grande diferença entre o cabaré parisiense e as duas instituições anteriores: enquanto estas eram baseadas numa rotina de coreografias precisas e repetidas, Crazy Horse mergulha a câmera num verdadeiro caos “artístico”.
Isso porque o balé é baseado numa disciplina determinada, em movimentos conhecidos dentro de uma certa paleta. O mesmo vale para o boxe e sua coleção limitada de golpes e saltos. De certo modo, o diretor sabia onde poderia encontrar seus movimentos, e posicionava a câmera no ponto esperado. No entanto, no caso do “maior cabaré de nus do mundo”, como o Crazy Horse se autointitula, Wiseman fica visivelmente perdido: nada é preciso, o próprio local quer renovar suas apresentações, a noção de criação e de performance é diretamente confrontada ao caráter volúvel dos artistas presentes.
Em outras palavras, enquanto o balé e o boxe apareciam como “categorias profissionais” muito bem definidas, com rotinas e gestões enquadradas, a dança de nus pode ser determinada de diversas maneiras. O documentário flagra a época em que um grande coreógrafo, histriônico e arrogante como poucos, assume a direção de um novo espetáculo, Désirs (“Desejos”). É deste homem que vêm a maioria das pérolas desta “profissão artística”, ideia eternamente vaga entre os sociólogos, principalmente porque a maioria dos artistas recusa a perceber seu trabalho como uma profissão qualquer. “Desculpem, mais eu não posso ser genial todas as manhãs, eu dependo da inspiração”, ele diz, ou ainda “Eu atraso mesmo, não se pode impor uma data à criação, o que estamos fazendo aqui é arte!”.
Ou seja, a arte pode vir e voltar, aparecer e sumir, estando sempre submetida às sensações e à boa vontade do coreógrafo. Apesar de seu evidente conhecimento técnico de dança, seus julgamentos e escolhas parecem todos baseados na emoção, na percepção não justificada: “Acho que ainda falta alguma coisa”, “Talvez a luz azul traga algo a mais a este número”. Diante da incapacidade de contestar (afinal, como se argumentar logicamente com quem não usa a lógica?), as meninas obedecem, e os produtores empurram a data do lançamento, preocupados entretanto em tornar o espetáculo o mais rentável possível.
Enquanto Wiseman filma centenas de seios, bundas, contorcionismos, sombras e reflexos de toda a natureza, o espetáculo vai se criando, tentando conceder às sensibilidades de todos os envolvidos. O mais interessante é ver o tal coreógrafo protestar quando descobre que os técnicos do local não possuem hierarquia entre eles, trabalhando de modo comunitário. “Mas se algo dá errado, a quem eu posso reclamar?”, ele protesta. Esta é uma das cenas mais clássicas no que se diz respeito à ideia de profissão, de hierarquia e de poder envolvida no trabalho artístico.
Wiseman filma as disputas de poder com o mesmo fascínio que mostra as curvas femininas, enquanto o tal desejo se torna cada vez mais distante quando dissecado desta maneira, revelando cada peça de seu mecanismo interno, sem fetiche nem idealização. Muitos críticos reclamaram que Crazy Horse é um filme muito menos preciso do que os antecedentes – em especial a toda-poderosa Cahiers du Cinéma. Talvez isso represente a surpresa real deste diretor, metódico e tranquilo, diante do caos de egos imensos, luzes, seios, brilhantes, sexos, de um excesso muito kitsch e que se leva a sério até demais.

PINTURAS POLONEZAS ROUBADAS SÃO RECUPERADAS

2011-10-17T17:56:00.000-07:00

Pinturas polonesas roubadas pelos nazistas retornam a Varsóvia. Foto: " A Caçada" de Falat.
Obras de Julian Falat foram apreendidas mês passado pelo governo americano
Duas pinturas roubadas da Polônia durante a II Guerra e confiscadas pelas autoridades dos Estados Unidos no ano passado foram restituídas hoje para o Museu Nacional em Varsóvia. – Tenho o prazer de dizer hoje que as telas estão de volta ao lugar de onde foram tiradas há mais de mais de 60 anos – disse o ministro da Cultura polonês, Bogdan Zdrojewski, durante a cerimônia de entrega das pinturas à diretora do museu, Agnieszka Morawinska.As telas restituídas – a aquarela Partida para a caçada e a pintura a óleo A Caçada – são do artista polonês Julian Falat, artista do século 19 conhecido por suas cenas de caçadas e pinturas de amplas paisagens. Os americanos entregaram os quadros às autoridades poloneses no mês passado, em Nova York.
A Polícia de Imigração e Alfândega (ICE) americana apreendeu as telas em 2006, depois de uma denúncia de que elas estavam prestes a ser leiloadas em Nova York. As pinturas haviam desaparecido em 1944, supostamente roubadas pelos nazistas, que arrasaram Varsóvia depois do fracasso de uma insurreição.
Na Polónia, Partida para a Caçada foi colocado de volta em sua moldura dourada original, abandonada após o roubo.

FESTA PARA O CRISTO REDENTOR - RIO DE JANEIRO,BRASIL

2011-10-14T19:57:00.000-07:00

RIO - Depois de nove anos de pesquisa, dois documentários e uma exposição, a cineasta Bel Noronha vai lançar um livro recontando a história da construção do Cristo Redentor. Bisneta do autor do projeto e construtor do monumento, Heitor da Silva Costa, Bel juntou textos, documentos e fotos para narrar em "Redentor -de braços abertos" os detalhes e todas as etapas da obra para erguer a estátua, no alto do Corcovado.
O livro, com texto de Lilian Fontes, será lançado em dezembro pela editora Réptil. Terá formado quadrado e 272 páginas. A programação visual leva a assinatura de Felipe Taborda.
Ainda em dezembro, a cineasta vai fazer uma exposição sobre o Cristo Redentor, no Forte de Copacabana. A exposição será inaugurada em 8 de outubro, dia da Imaculada Conceição. A data foi escolhida com um objetivo especial: lembrar o padre lazarista francês Jean Marie Boss, que chegou ao Rio em 1859 e foi o o primeiro a lançar a ideia de erguer um monumento a Cristo no Corcovado. Capelão do Colégio da Imaculada Conceição, em Botafogo, na época ele chegou a levar a sugestão à Princesa Isabel. Mas morreu em 1916 sem ver concretizado o seu sonho, que foi traduzido num poema, 13 anos antes: "Oh Corcovado! Lá se ergue o gigante de pedra, alcantilado, altaneiro e triste, como interrogando o horizonte imenso... Quando virá?... Há quantos séculos espero!... Sim, aqui está o pedestal único no mundo! Quando virá a estátua, como eu colossal, imagem de quem me fez?".

FOTO LESMA LEOPARDO

2011-10-11T19:44:00.000-07:00

Museu de História Natural britânico promove 'caça a invertebrados'
Campanha faz parte de um projeto de investigação sobre a situação dos insetos e moluscos no país.
Para executar este conteúdo em Java você precisa estar sintonizado e ter a última versão do Flash player instalada em seu computador.
O projeto Laboratórios a Céu Aberto, do Museu de História Natural britânico, está encorajando os cidadãos a fazerem expedições para caçar insetos e moluscos.
A lesma-leopardo é um dos animais cuja observação é recomendada pelo museu
As caçadas não são predatórias, mas deverão contribuir para um levantamento sobre o estado dos animais invertebrados na Grã-Bretanha.
Mais de 500 mil lesmas, caracóis, aranhas e besouros já foram encontrados e catalogados, mas os organizadores do projeto pedem um último impulso nas buscas antes do inverno.
Segundo a pesquisadora Lucy Carter, do Museu de História Natural, a caçada também inclui missões específicas, como a observação de seis animais considerados mais importantes.
Um deles é a lesma-leopardo, uma das maiores do país, que pode chegar a ter 16 centímetros de tamanho.
Para estimular o interesse das pessoas, o museu criou um guia gratuito e um aplicativo para telefones celulares que ajuda a identificar os insetos encontrados

ART POP

2011-10-11T18:36:00.000-07:00

Pode se dizer, que a Art Pop foi a pioneira expressão artística do pós-moderno., A Pop, que nasce na Inglaterra mas ganha força em Nova Iorque, ironiza os ícones do consumismo que a sociedade idolatra, ao mesmo tempo, luta contra o subjetivismo e o hermetismo modernos. Ela emerge com a explosão das comunicações de massa com linguagem assimilável pelo público de signos e de objetos de massa, utilizando um hiper-realismo ao copiar em tinta acrílica, serigrafia, ready made e assemblage a vida diretamente em seus objetos do cotidiano. Finalmente, a Pop esgota os “ismos” e os códigos estéticos do modernismo, pondo fim à beleza como valor supremo da arte.

DAS REVOLTAS A UMA NOVA POLÍTICA

2011-10-11T18:27:00.000-07:00

Por Toni Negri e Michael Hardt Tradução: Daniela Frabasile

Os acontecimentos políticos no mundo hispânico, tanto na América do Sul quanto na Península Ibérica, estão entre os mais inspiradores e inovadores da última década. Por meio de revoltas, de insurreições, da derrubada dos governos neoliberais, da eleição de governos reformistas progressistas, dos protestos contra a política de governos supostamente progressistas e outras ações, expressou-se um espírito indignado e rebelde através de inúmeras experiências sociais e políticas.
Uma série de datas e lugares serve como imagem de lutas contínuas e prolongadas, desde o 1º de janeiro de 1994, em Chiapas, ao 8 de abril de 2000, em Cochabamba, o 19 e 20 de dezembro de 2001, em Buenos Aires, e, mais recentemente, o 15 de maio de 2011, em Puerta del Sol, Madri. Acompanhamos essas histórias, aprendemos com elas e as utilizamos como guia durante a escritura deste livro e depois de sua publicação.
Um dos argumentos de Commonwealth — El proyecto de una revolución del común, que encontra uma forte ressonância com essas lutas, identifica como fonte central do antagonismo a insuficiência das constituições republicanas modernas, particularmente de seus regimes de trabalho, propriedade e representação.
Em primeiro lugar, nossas constituições enxergam o trabalho como chave para o acesso à renda e aos direitos básicos de cidadania, uma relação que durante muito tempo funcionou mal para quem estava fora do mercado de trabalho formal, incluindo os pobres, os desempregados, as mulheres que trabalham sem salário, os imigrantes e outros. Hoje, porém, o trabalho é cada vez mais precário e inseguro, em todas suas modalidades. Naturalmente, o trabalho continua sendo a fonte da riqueza na sociedade capitalista, mas cada vez mais fora da relação com o capital e, geralmente, fora de uma relação salarial estável. Portanto, nossa constituição social continua requerendo o trabalho assalariado para possibilitar ao cidadão plenos direitos e acesso a uma sociedade na qual esse tipo de trabalho está cada vez menos disponível.

COMUNICADO E EXPRESSIVIDADE

2011-10-09T19:46:00.001-07:00

Morreu Dulce d’Agro, a galerista da "loucura-amor" à arte moderna
Faleceu Dulce d'Agro, fundadora da Galeria Quadrum, em Lisboa. Sob a direcção da artista e coleccionadora, este espaço destacou-se como “um projecto de vanguarda durante as décadas de 1970, 80 e princípios dos anos 90”, anuncia uma nota à imprensa da galeria Cristina Guerra Contemporary Art.

CRISE CRISE CRISE CRISE CRISE

2011-10-09T19:30:00.001-07:00

Alemanha e França estão divididas antes das conversações importantes de domingo, sobre como fortalecer os instáveis bancos europeus. Paris está ansiosa para recorrer aos 400 bilhões do fundo de resgate da zona do euro, o EFSF, para recapitalizar seus próprios bancos e Berlim insiste que o fundo deve ser utilizado como último recurso.
O FMI já disse que os bancos europeus precisam de fundos adicionais de 200 bilhões de euros.
"Acho que há um consenso de que ele será bem acima de 100 bilhões de euros," disse aos repórteres, Michael Noonan, do lado de fora de um fórum econômico em Dublin.
"Sei que alguns dos grandes bancos alemães, com quem eu estava falando pessoalmente, pretendem levantar dinheiro no mercado, portanto serão financiamentos privados. Outros bancos gostariam de se beneficiar do fundo EFSF. Outros bancos vão contar com seus governos, para fornecer o capital, portanto vai haver uma série da maneiras de fazê-lo." "Acho que o princípio deveria ser que os governos são responsáveis pelo seu sistema bancário, de acordo com o Conselho do Banco Central Europeu."

KARL MARX

2011-09-21T13:20:00.000-07:00

Consultor especial do maior banco suíço defende interpretações marxistas sobre a crise e propõe reversão completa das políticas de “austeridade”
Por George Magnus Tradução: Daniela Frabasile e Cauê Seigner Ameni

Os dirigentes políticos que lutam para compreender o avalanche de pânico financeiro, os protestos e outros fatos que afligem o mundo deveriam estudar a obra de um economista morto há muito tempo: Karl Marx. Quem reconhecer estamos frente a uma das grandes crises do capitalismo, estará mais preparado para examinar seus detalhes e buscar as saídas.
O espírito de Marx, que está enterrado em um cemitério perto de onde viveu, no norte de Londres, levantou-se da tumba devido à crise financeira e à recessão econômica posterior. A profunda análise do filósofo com mais conhecimentos sobre o capitalismo tem diversos defeitos, mas a economia global de hoje apresenta muitas misteriosas semelhanças com as condições previstas por ele.
Consideremos, por exemplo, a predição de Marx, de que o conflito inerente entre o capital e o trabalho se manifestaria de modo aberto. Como escreveu em O Capital, a busca das empresas pelo lucro e pela produtividade diminui naturalmente a necessidade de trabalhadores, o que leva à criação de um “exército industrial de reserva” de pobres e desempregados: “o acúmulo da riqueza em um polo é, portanto, ao mesmo tempo um acúmulo de miséria”.
O processo que Marx descreve é visível em todo o mundo desenvolvido, particularmente nos esforços das companhias norte-americanas para reduzir custos e evitar a contratação no país. A parcela da produção econômica apropriada pelas empresas, na forma de lucros corporativos, chegou ao nível mais alto em seis décadas. Enquanto isso, a taxa de desemprego subiu para 9,1% e os salários reais estão estagnados.
A desigualdade de renda nos Estados Unidos chegou, por sua vez, a seu nível mais alto desde a década de 1920. Antes de 2008, a disparidade de renda foi obscurecida por fatores como o crédito fácil, que permitiu às famílias pobres desfrutar de um estilo de vida similar ao dos mais ricos. Agora, muitos já não têm uma casa para voltar e descansar

UMA TOSCA ACANHADA SALVA, EM ALGUMAS RÉCITAS, POR BELAS VOZES.

2011-09-20T19:08:00.000-07:00

Desde a sua primeira apresentação há 111 anos, "ATosca" de Giacomo Puccini, tem sido uma das óperas mais representadas em todo o mundo, amplamente popularizada por árias como Vissi d’arte vissi d’amore, Recondita armonia , Elucevan le stelle. A partir de 11 de Setembro, o Theatro Municipal do Rio de Janeiro, vinculado à Secretaria de Estado de Cultura, estreiou nova montagem da obra, com direção e concepção de Carla Camurati. A frente do elenco as sopranos Sondra Radvanovsky e Eiko Senda revezando-se no papel-título; os tenores Thiago Arancam e Riccardo Massi como Cavaradossi, e os barítonos Juan Pons e Lício Bruno interpretando Scarpia. Carlos Eduardo Marcos (Angelotti) e Eduardo Amir (Sacristão) completaram o elenco de solistas. Estes personagens(solistas) deram seu recado. A direção musical e regência da Orquestra Sinfônica e Coro do Theatro Municipal a cargo do maestro Silvio Viegas.

" A Tosca " dessa temporada de 2011 não acompanhou o mesmo brilhantismo de outras montagens do Theatro Municipal do Rio de Janeiro. O cenário de Carla Camurati e Cecília Modesto e figurino de Cecília Modesto, contribuíram parra certa apatia e distanciamento do drama. O público conhecedor não se emocionou. A concepção de Carla Camurati não acompanha o desejado e suas marcações prejudicaram o andamento do drama, sente-se a superficialidade da direção As récitas com a soprano americana Sandra Radvanovsky, Thiago Aracan( tenor brasileiro) e Juan Pons( baritono espanhol) foram as melhores. Apesar de possuirem vozes belas e boas perfomaces não conseguiram superar os erros da direção imposta prejudicada por figurinos com cores fortíssimas, berrantes, "expressivas" demais para a época. Havia um desacordo com a peça de Victorien Sardou. Um distanciamento que não propiciava o desejado, era latente nessa montagem. As récitas que tiveram a soprano japoneza Eiko Senda no papel de Flora Tosca, foram fracas, Senda não possui um registro condizente com a obra de Giacono Puccini não interpretou a apaixonante personagem como devia, os registros da soprano esperados no II ato não existiram, já o italiano Riccardo Massi somente no último ato encontrou o seu personagem. Licio Bruno foi o destaque na fraca récita com o seu personagem. O baritono brasileiro, Aracan e Radvanovsky belas trajetórias de superação com suas belas vozes diante de uma montagem fria. "A Tosca" foi em si um espetáculo acanhado. Quanto aos "bis" exagerados, o único merecedor foi a da soprano americana em " Vissi d'art, vissi d'amore.

O Theatro Municipal de São Paulo, em comemoração aos 100 anos apresentou a ópera Rigoletto com "perfeição". Nada especial.

MERCADO DAS ARTES PLÁSTICAS - COMENTÁRIOS

2011-09-07T21:00:00.000-07:00

O mercado de artes plásticas contemporâneas vive um período de franca expansão de suas exportações.
A grande novidade é que a Suíça já aparece como o segundo principal destino internacional das obras de arte brasileiras, atrás somente dos Estados Unidos.
Os efeitos da insistente crise financeira internacional que inibe negócios e prejudica diversos setores da economia há quase três anos estão sendo sentidos com menor intensidade no Brasil do que em outros países, mas um segmento da balança comercial brasileira em especial parece ignorar os tempos difíceis. De acordo com um levantamento realizado pela Agência de Promoção de Exportações e Investimentos (Apex-Brasil), em cinco anos as exportações de quadros, esculturas, gravuras e colagens, entre outros itens da arte contemporânea brasileira, cresceram impressionantes 500%, passando de um valor negociado de US$ 1,9 milhão em 2005 para US$ 10,04 milhões em 2010. A maior parte dos negócios nesse período foi realizada com os EUA (US$ 4,6 milhões), mas a Suíça surpreendeu os analistas do mercado de artes com o segundo lugar (US$ 1,8 milhão), à frente do Reino Unido (US$ 1,7 milhão) e da Espanha (US$ 559 mil). Segundo a Apex-Brasil, uma das explicações para o incremento das vendas para a Suíça pode ser a crescente participação de galerias e expositores brasileiros na conceituada feira internacional de artes Art Basel, realizada anualmente no cantão suíço da Basiléia. Ao lado das feiras Bienal do Mercosul e SP Arte (Brasil), Frieze (Inglaterra) e Armory Show (EUA), o evento suíço integra o calendário do Projeto Brasil Arte Contemporânea, que organiza a participação das galerias brasileiras nos principais eventos do setor. “A participação em feiras, exposições e missões internacionais tem atraído o interesse de um público que desconhecia o potencial artístico brasileiro. Isso ajudou a melhorar o perfil exportador do setor de arte contemporânea”, avalia o presidente da Apex-Brasil, Maurício Borges. O incentivo a essa participação internacional, segundo a agência, faz com que 25 empresas brasileiras sejam hoje exportadoras de artes plásticas contemporâneas. Vinte delas exportam de forma constante, participando de pelo menos uma feira internacional por ano.

Porém, reafirmo que o mercado de arte no Brasil está aquecido. Hoje há interesses de diversos públicos para compreender os novos rumos das artes plásticas. Em um período onde o caos prevalece e a improvisação entra na estética da arte, certamente a curiosidade serve como uma estratégica motivadora. Sobre o tema o crítico José Maria Mejhias fala com muita propriedade.

POLUIÇÃO VISUAL

2011-09-07T19:31:00.000-07:00

A poluição visual degrada os centros urbanos pela não coerência com a fachada das edificações, pela falta de harmonia de anúncios, logotipos e propagandas que concorrem pela atenção do espectador, causando prejuízo a outros, etc. O indivíduo perde, em um certo sentido, a sua cidadania (no sentido de que ele é um agente que participa ativamente da dinâmica da cidade) para se tornar apenas um espectador e consumidor, envolvido na efemeridade dos fenômenos de massas. A profusão da propaganda na paisagem urbana pode ser considerada uma característica da cultura de massas pós-moderna.
Certos municípios, quando tentam revitalizar regiões degradadas pela violência e pelos diversos tipos de poluição, baixam normas contra a poluição visual, determinando que as lojas e outros geradores desse tipo de poluição mudem suas fachadas a fim de tornar a cidade mais harmônica e esteticamente agradável ao usuário.

DESMATAMENTO

2011-08-02T19:26:00.000-07:00

Por Henrique Rattner

A taxa de desmatamento no Brasil diminuiu significativamente: 2,8 milhões de hectares da floresta amazônica foram queimados em 2004. No ano passado, foram somente 750 mil hectares. Na década passada, segundo relatório das Nações Unidas, quase oito milhões de hectares foram reflorestados, sobretudo nos países ricos como os da América do Norte e a Europa, onde a diminuição da população rural reduziu as pressões sobre as terras cobertas por florestas. Mas também alguns países mais pobres, como a China, lançaram grandes planos de plantio de florestas com o objetivo de prevenir desastres naturais, consequências do desmatamento. Mesmo nos países tropicais, onde o maior número de desmatamentos ocorre, o Brasil e outros resistem às investidas de desmatamento por madeireiras e agricultores.
Pelo menos durante os últimos dez mil anos, desde que o gelo derreteu e as florestas voltaram a cobrir a terra, os homens as destruíram. Na Europa medieval, uma população em rápida expansão derrubou metade das árvores para dar espaço à agricultura. Uma área de 100 milhões de hectares foi derrubada para “melhorar” a qualidade do solo. Nos países ricos, a pressão sobre as florestas diminuiu, mas nos países tropicais que abrigam metade das florestas remanescentes, a demanda por terras cultiváveis está crescendo no ritmo de crescimento da população.
Desmatando as florestas talvez enriqueçam alguns, mas em longo prazo empobrecem o planeta todo. As florestas úmidas tropicais constituem fator importante nos ciclos de água continentais. A perda da floresta tropical da Amazônia reduz a pluviosidade nas Américas, com sérias consequências para os agricultores no hemisfério Norte. Ao regularizar o escoamento, as árvores ajudam no suprimento de água e previnem desastres naturais, como inundações e desabamentos de morros. E, para aqueles preocupados com os efeitos da mudança climática, as florestas contêm duas vezes mais carbono do que a atmosfera. Perdendo as florestas perde-se milhões de espécies, pois elas detêm 80% da biodiversidade terrestre.
O desenvolvimento econômico pode ser tanto a causa do desmatamento quanto de sua redução. A globalização acelera a demanda por produtos agrícolas de países tropicais. Emergindo da pobreza, sua população torna-se mais próspera e reclama de seus governos leis que protejam o meio ambiente e fiscalizem seu comércio. A transição do desmatamento para a proteção das florestas é um processo lento demais. O principal esforço e instrumento internacional é conhecido pela sigla REDD – redução de emissões por desmatamento e degradação. Preconiza o pagamento às populações dos países em desenvolvimento para deixar as árvores em pé, o que se tornou hábito de governos e empresas pagarem por florestas e outros serviços de ecossistemas.
O único sucesso da Conferência sobre Mudança Climática de Copenhague, em dezembro de 2009, foi o compromisso de continuar o programa REDD. Países ricos, a Noruega, a Grã Bretanha e os Estados Unidos prometeram 4,5 bilhões de dólares para iniciar as atividades do projeto. Os problemas e dificuldades são enormes. Algumas das florestas em regiões tropicais situam-se em áreas de pior administração pública, elevando os custos e os riscos de desvio dos recursos eventualmente alocados. As falhas na execução dos programas significam a perda de recursos mais valiosos do planeta.
Aproximadamente metade das florestas foi dizimada pelo desmatamento, responsável pela emissão de CO2 correspondendo de 15% a 17% do total, mais do que todos os aviões, automóveis, navios e trens. Estima- se que a floresta amazônica está sequestrando 1,3 gigatoneladas de carbono, quantidade igual a emissões recentes por desmatamento. No mundo, as florestas e o solo debaixo delas absorvem quase ¼ de todas as emissões de carbono. Isto representa uma contribuição vital à vida, além de abrigar mais da metade de todas as espécies de animais, pássaros e insetos e suprir inúmeras plantas medicinais. 400 milhões de pessoas encontram nas florestas seu habitat e os meios para sua subsistência

ANGÚSTIA

2011-07-24T18:32:00.000-07:00

Angústia
Nas calçadas repletas de gente o isolamento.

Nesta noite a analogia do negrume

cobre os miolos e o ego.

Há pouco colocava Ketchupe mostarda no cachorro quente,

tomava coca-cola.

Subidamente as mãos ficaram úmidas

debruçadas nos teus cabelos

distantes,

desfalecendo no vazio

no silêncio precipitado que corrói: a cabeça, as artérias, o estomago.

No reflexo somente a consciênciaunia o chão a matéria.

Despia a alma duvidosa.

incendiando a inquisição...

Mostrando este poema louco,

vertiginoso,

sem sons,

atritante nos ossos.

Dissolvia o tempo para o último encontro,

apontando todos os fortíssimos erros;

impondo segundo a segundo

com golpes fundos

o prenúncio da derrota,

o mistério de chorar.

Vicente de Percia- “Brasil da Silva: Mistério de Chorar, Edit/ Achiamé, Rio de Janeiro, 1ª edição 1982 em 4ª edição

POEMA INÉDITO DE MIQUEL JORGE

2011-07-20T18:18:00.000-07:00

Celas

Não há rima que faça o sol brilhar nesta cela.
A escuridão, escrava serviceira, fez parelha comigo.
Mergulho no rio, feito um cão escravo, feito quem usa palavra nova, de novo uso, assim como camisas brancasno varal, infladas ao vento.

Mergulho no rio, a pele de espelho, marcada de travos.
Troco as palavras, babel inscrita no com, ponto,Br da desordem.
Em dias de chuva, a alma armadilha-se.

02;Do azul não me lembro agora, o céu constróe-se em chamas de impossível reparos.
Superpostas cores, feito rio superposto em grito à ponte que se inclina.

Com abraço Miguel

POR UM FIO

2011-07-17T16:54:00.000-07:00

Surpresa: fantasma da revolta política e agravamento acelerado da crise financeira levam governantes a considerar hipótese vista há pouco como insana
Por Antonio Martins
O encontro de emergência dos chefes de Estado europeus, a que o texto se refere, foi finalmente marcado para 21 de julho. Continuam em pauta medidas que, por fim, obriguem o sistema financeiro -- principal responsável pela crise -- a abrir mão de parte de seus lucros. Persistem as resistências de sempre...]
Ameaçada pela falência financeira e pela desmoralização completa da política institucional, a Grécia continua no centro do palco europeu — mas acaba de haver uma grande mudança no script de seu drama. A União Europeia (UE), que até o fim de semana exigia apenas sacrifícios dos gregos e respeito aos interesses dos credores, passou a trabalhar com outra opção, a partir de segunda-feira (11/7). Ela não está sendo, nem será, chamada por seu nome verdadeiro, mas é uma moratória parcial da dívida do país, seguida de renegociação.
Por enquanto, é apenas uma hipótese, e o desfecho poderá se dar sexta-feira (15/7), numa provável reunião de chefes de Estado. Mas o simples fato de ser considerada emite um sinal claro, muito positivo e que deveria ser entendido também no Brasil. Tentar superar as novas turbulências financeiras cortando direitos sociais e serviços públicos não é a única opção – e está se tornando insustentável.

SÃO PAULO UMA DAS CIDADES MAIS CARAS DO MUNDO

2011-07-12T20:20:00.000-07:00

São Paulo foi considerada a 10ª cidade mais cara do mundo, de acordo com a consultoria Mercer. O custo de vida na capital paulistana está mais alto do que em Londres, Paris ou Nova York. Este estudo comparou 200 itens como moradia, transporte e alimentação, tendo como base o custo de empresas multinacionais para manter um funcionário estrangeiro na cidade.Há um ano, a cidade de São Paulo estava como 21ª mais cara do mundo. Diante da valorização do real e o aumento dos valores de imóveis no mercado imobiliário, a cidade pulou 11 posições, ficando em 10º lugar entre as 214 localidades avaliadas. Outra cidade brasileira que também disparou no ranking foi o Rio de Janeiro, que passou da 29ª posição para 12ª neste ano. A terceira cidade brasileira que figura nessa lista é Brasilia, que subiu 37 posições – da 70ª para a 33ª.

Porém, não é um mal sinal subir algumas posições na lista. Segundo a pesquisadora sênior da Mercer, Nathalie Constantin-Métral, as taxas de câmbio da America do Sul permaneceram estavéis, mas o real teve um fortalecimento significativo comparado ao dólar, o que fez que o custo de vida se tornasse mais caro para um estrangeiro.No topo da lista de cidades mais caras está Luanda, em Angola e o segundo lugar ficou para Tóquio, no Japão. Nos EUA, a cidade mais cara é Nova York, na 32ª posição, seguida de Los Angeles e Chicago. O objetivo desta pesquisa é auxiliar empresas multinacionais a definirem os subsídios aos seus funcionários enviados a outros países.

MOEDA COMEMORATIVA 300 ANOS DE OURO PRETO, MINAS GERAIS

2011-07-08T04:36:00.000-07:00

O Banco Central do Brasil e a Casa da Moeda do Brasil lançarão na próxima sexta-feira (1º de julho) uma moeda comemorativa (foto) em homenagem aos 300 anos de Ouro Preto (MG). Elaborada em prata, a moeda tem valor de face de cinco reais - no anverso há uma composição representando a arquitetura da cidade, com destaque ao casario e igrejas.

A moeda custará R$ 140 e poderá ser adquirida a partir da próxima segunda-feira (4/7) no site do Banco do Brasil.

POEMA DE VICENTE DE PERCIA

2011-07-03T18:31:00.000-07:00

COMUNGANDO

Joguei olhares vazios àquela região de vida inóspita.

Atravessada por um único caminho,

Ladeada de rochas.

Toda aquela matéria: estéril, tortuosa,bruta,

Diminuía minha estrutura.

Bastava um olhar longínquo,

para me transformar em pedra.

Eram perguntas –

pois sabia que não via o que via

no começo do caminho –

O corpo se juntou à terra

complacente de seu dever.

No horizonte eu era um todo.

Verdes encostas que sustentam cores no íntimo do homem,

Elevam lembranças a esse espaço compacto,

Aguçando a mente.

Geme o boi no cheiro da mata.

No sucesso exato,

enriquecendo cofres com seu sacrifício.

Esconde-se a caça entre as moitas de espinhos longos,

Seus pequenos ninhos;

Bons divertimentos para os cães fiéis.

Foge a trilha das encostas passos indicando a direção,

onde o canto existe.

Sob um teto quente resvala a chuva sem obstrução.

III

Molhei os pés nas areias quentes que rodeavam o rio.

Toquei nos grãos amarelados que cobriam a terra.

Pedaços de tempo

deixei escapar por entre dedos ágeis

que sustinham matéria,

outrora homogênea.

Sequei meu corpo no firmamento,

compacto fiquei .

Quebrei raios de sol,

estilhaços lancei.

Imergi na nova terra

Do livro: “Brasil da Silva:Mistérios de Chorar”,de Vicente de Percia, Edit/ Achiamé, Rio de Janeiro, 1ª edição, 1982. Prefácio de Antônio Carlos Vilaça: introdução de Dalma Braune Portugal do Nascimento; orelha: José Carlos Gondim; conta capa: Rose Marie Muraro.

AUTO RETRATO FRIDA KALO EM MUSEU NA CIDADE DO MÉXICO

2011-07-03T04:55:00.000-07:00

Además, la entrada al museo será gratuita durante esos días para todos los que vengan caracterizados como Frida, con trenzas y listones en la cabeza, o las cejas imitando las suyas.

¿Te gustaría tener una foto con Frida? Para celebrar los aniversarios 104 del nacimiento y el 57 luctuoso de la pintora, te invitamos del 6 al 13 de julio a visitar el museo y tomarte un autorretrato con alguna de sus 24 obras de nuestra colección permanente.

Por cuestiones de protección a los derechos de autor, la toma de fotografías al interior de las salas del Museo Dolores Olmedo está prohibida, pero en esta ocasión haremos una excepción. Por un donativo de $50 pesos podrás ingresar con tu cámara a la Sala Frida Kahlo para tomarte un autorretrato delante de alguna de las obras de la artista. Este donativo estará destinado a contribuir con la conservación de las obras y al mantenimiento del Museo Dolores Olmedo. Las fotos deberán ser tomadas con cámaras personales o de dispositivos móviles (teléfonos celulares, iPods, etc), sin flash ni tripies. Podrás compartir tus fotos en nuestros perfiles de redes sociales en Flickr, Facebook y Twitter.

VICENTE DE PERCIA RECOMENDA

2011-06-28T15:24:00.000-07:00

Desde século XVI, EUA e Inglaterra desenvolvem, com êxito, estratégias interessadas em “dominar o mundo”. Mas para onde expandi-lo, agora?

“Venho hoje reafirmar uma das mais antigas,
uma das mais fortes alianças que o mundo já viu.
Há muito é dito que os Estados Unidos e a Grã Bretanha
compartilham de uma relação especial”
Barack Obama: “Discurso no Parlamento Britânico”, em 25/5/ 2011

Por José Luís Fiori

Existe uma idéia generalizada de que a Geopolítica é uma “ciência alemã”, quando na verdade ela não é nem uma ciência, nem muito menos alemã. Ao contrário da Geografia Política, que é uma disciplina que estuda as relações entre o espaço e a organização dos estados, a Geopolítica é um conhecimento estratégico e normativo que avalia e redesenha a própria geografia, a partir de algum projeto de poder específico, defensivo ou expansivo. O “Oriente Médio”, por exemplo, não é um fenomeno geográfico, é uma região criada e definida pela política externa inglesa do século XIX, assim como o “Grande Médio Oriente”, é um sub produto geográfico da “guerra global ao terrorismo”, do governo Bush, do início do século XXI. Por outro lado, a associação incorreta, da Geopolítica com a história da Alemanha, se deve a importância que as idéias de Friederich Ratzel (1844-1904) e Karl Haushofer (1869-1946) tiveram – direta ou indiretamente – no desenho estratégico dos desastrosos projetos expansionistas da Alemanha de Guilherme II (1888-1918) e de Adolf Hiltler (1933-1945). Apesar disto, as teorias destes dois geógrafos transcenderam sua origem alemã, e idéias costumam reaparecer nas discussões geopolíticas de países que compartilham o mesmo sentimento de cerco militar e inferioridade na hierarquia internacional. Mas a despeito disto, foi na Inglaterra e nos Estados Unidos que se formularam as teorias e estratégias geopolíticas mais bem sucedidas da história moderna.

Sir Walter Raleigh (1554-1618), conselheiro da Rainha Elizabeth I, definiu no fim do século XVI, o princípio geopolítico que orientou toda a estratégia naval da Inglaterra, até o século XIX. Segundo Raleigh, “quem tem o mar, tem o comércio do mundo, tem a riqueza do mundo; e quem tem a riqueza do mundo, tem o próprio mundo”. Muito mais tarde, quando a marinha Britânica já controlava quase todos os mares do mundo, o geógrafo inglês Halford Mackinder (1861-1947) formulou um novo princípio e uma nova teoria geopolítica, que marcaram a política externa inglesa do século XX. Segundo Mackinder, “quem controla o “coração do mundo” comanda a “ilha do mundo”, e quem controla a ilha do mundo comanda o mundo”. A “ilha do mundo seria o continente eurasiano, e o seu “coração” estaria situado – mais ou menos – entre o Mar Báltico e o Mar Negro, e entre Berlim e Moscou. Por isto, para Mackinder, a maior ameaça ao poder da Inglaterra seria que a Alemanha ou a Rússia conseguissem monopolizar o poder dentro do continente eurasiano. Uma idéia-força que moveu a Inglaterra nas duas Guerras Mundiais, e que levou Winston Churchill a propor – em 1946 — a criação da “Cortina de Ferro” que deu origem a Guerra Fria.

Do lado norte-americano, o formulador geopolítico mais importante da primeira metade do século XX, foi o Almirante Alfred Mahan (1840-1914), amigo e conselheiro do Presidente Theodor Roosevelt, desde antes da invenção da Guerra Hispano-Americano, no final do século XIX. A tese geopolítica fundamental de Mahan, sobre a “importância do poder naval na história”, não tem nenhuma originalidade. Repete Walter Raleigh, e reproduz a história da Marinha Britânica. E o mesmo acontece com as idéias de Nicholas Spykman (1893-1943), o geopolítico que mais influenciou a estratégia internacional dos EUA na segunda metade do século XX. Spykman desenvolve e muda um pouco a teoria de Mackinder, mas chega quase às mesmas conclusões e propostas estratégicas. Para conquistar e manter o poder mundial, depois da Segunda Guerra, Spykman recomenda que os EUA ocupem o “anel” que cerca a Rússia, do Báltico até a China, aliando-se com a Grã Bretanha e a França, na Europa, e com a China, na Ásia.

No cômputo final, o que diferencia a geopolítica anglo-americana é a sua pergunta fundamental: “que partes do mundo há que controlar, para dominar o mundo”. Ou seja, uma pergunta ofensiva e global, ao contrário dos países que se propõem apenas a conquista e o controle de “espaços vitais” regionais. Além disto, a Inglaterra e os EUA ganharam, e no início do século XXI, mantém sua aliança de ferro com o Canadá, a Austrália e a Nova Zelândia: derrotaram e cercaram a Rússia; mantém seu protetorado atômico sobre a Alemanha e o Japão; expandiram sua parceria e seu cerco preventivo da China; estão refazendo seu controle da África; e mantém a América Latina sob a supervisão da sua IVº Frota Naval. E acabam de reafirmar sua decisão de manter sua liderança geopolítica mundial.

Existe, entretanto, uma grande incógnita no horizonte geopolítico anglo-americano. Uma vez conquistado o poder global, é indispensável expandi-lo, para mantê-lo. Mas, para onde expandi-lo?

–
José Luís Fiori é professor titular e coordenador do Programa de Pós-Graduação em Economia Política Internacional da UFRJ, e autor do livro “O Poder Global”, da Editora Boitempo, 2007

GLOBALIZAÇÃO. "O TABLÓIDE- PERCEPÇÃO VERSUS IMPOSIÇÃO'

2011-06-26T19:00:00.000-07:00

O TABLÓIDE-PERCEPÇÃO VERSUS IMPOSIÇÃO

A revista de domingo possui muitas propagandas, a maioria das páginas mostram: cosméticos, moda, jóias, carros, eletrodomésticos, bancos etc... Todas com pouco texto e ótimas fotografias. Um artigo sobre museus se difere dos demais, porém há uma estratégia motivadora mostrando obra de Cindy Sherman (1989) em que se veste de uma madona renascentista. Assim, os conceitos de consenso de convergência em relação ao objetivo do caderno estão salvos. As produções de ordem em uma escala mundial seguem os objetivos a serem alcançados do ponto de vista comercial. É preciso, pois ter anunciantes, vender produtos e, como tal, o tablóide foi cunhado para atingir sua meta.

As ambições intelectuais contemporâneas não são tão exigentes elas surgem e desaparecem como meteoros. Há conceitos que afirmam que a globalização tem efeitos globais, porém até que ponto pode gerenciar bons efeitos globais nos desvencilhando de uma passividade permissiva.

A melhoria em escala global difere das condições de vida de cada um. Os efeitos globais da comunicação não são imprevisíveis; o mundo diferente é sempre melhor que o nosso. A imagem da globalização não desordena, apenas mostra somente a fatia que deve ser comida e para estabelecer as regras o público é o alvo. A formação e senso-crítico do Homem é que ditará o que deve ser plantado, o que é um desafio. Os resultados desta digestão não importam e tão pouco é um desafio.

Direcionar as matérias para uma única identidade é a meta imposta para permitir “novas oportunidades de vida para todos”. A ideia de globalização é calcada em um discurso atual que tem por base a eficiência e a deficiência cultural. Ter uma expectativa fora deste prisma é quebrar uma rede de informações onde a certeza é mais forte que a probabilidade. Como reconquistar uma nova identidade? Apoiada na capacidade em defender os territórios do conhecimento com embasamento? Revisitar obras de Claude Levis- Strauss, Lyotard, Marchel Duchamp, Oscar Niemeyer, Lúcio Costa entre outros é uma excelente forma para compreender a diferença entre Percepção e Imposição.

Existe uma “fraqueza” permanente que reivindica os direitos em estabelecer uma ordenância para visualizar regras a respeito dos sinais da globalização. Tal postura quer queira ou não exige uma regularidade no qual um sistema existe, mesmo que preterindo, os modelos já consagrados são vistos, como é o caso da pós-modernidade, amplamente divulgada e que por incrível que pareça ainda desperta certo fascínio. Poucos buscam explicitar respostas plausíveis que mostrem as dificuldades dos agentes em convencer meritoriamente os alcances das rupturas na arte, assim como na sociedade como um todo apreendendo os novos significados que deveriam revelar propósitos e conseqüências sociais.

Este processo em busca de definição abre um abismo cada vez maior entre os que têm interesse em situar as ações humanas, pois elas são raízes e um observatório para compreendermos a dinâmica de um ciclo e a maneira sobre nossas percepções de tempo e espaço. É importantíssimo não só observar o mundo, mas ser observado. Indagar a interatividade das mensagens não basta, é preciso falar em uma nova elite que elege, entre elas estão às redes sociais e o seu manuseio. Já virou o refrão: “muitos observam poucos. Ao pouco que são observados são as celebridades”

Vicente de Percia

ALFRED HITCHCOCK EM ALTA

2011-06-20T18:20:00.000-07:00

Em cartaz, ampla retrospectiva sobre obra do mestre — que, embora sempre autoral e inovador, nunca desprezou sucesso de público

Por José Geraldo Couto A maior retrospectiva da obra de Alfred Hitchcock já realizada no país está em cartaz nos Centros Culturais do Banco do Brasil (CCBBs) de São Paulo (até 24 de julho) e do Rio (até 14 de julho). São 54 longas-metragens, três curtas e 127 episódios da série televisiva Hitchcock presents.

Desnecessário falar sobre a importância de Hitchcock, o homem que transformou o suspense em linguagem e levou ao seu ponto máximo as possibilidades da narrativa cinematográfica clássica, com sua capacidade de manipular o olhar e a emoção do espectador. Uma vasta bibliografia já se encarregou disso. Recomendo em especial três livros: o monumental Hitchcock/TruffautHitchcock, publicado pela primeira vez por Eric Rohmer e Claude Chabrol em 1957, e absurdamente nunca traduzido no Brasil; e o introdutório Alfred Hitchcock, o mestre do medo (Brasiliense, esgotado), de Inácio Araujo. (tradução de Rosa Freire d’Aguiar, Companhia das Letras), em que o mestre inglês fala exaustivamente de cada um de seus filmes ao admirador e discípulo francês;

O fracasso como erro

Chamo a atenção apenas para um aspecto que me parece central na figura do cineasta: ninguém conseguiu superar tão bem quanto ele a dicotomia que parece dilacerar o cinema desde seus primórdios, a saber, a dicotomia entre arte e indústria. Para Hitchcock, um filme seria tanto mais bem-sucedido artisticamente quanto mais êxito obtivesse na bilheteria. Para ele, a sentença não era arte x indústria, mas arte = indústria, o que, na boca de um outro cineasta (que dirá de um crítico) soaria como uma heresia mercenária.Falando sobre o eventual fracasso de algum de seus filmes, Hitchcock nunca culpava a incompreensão da plateia, a tacanhez do sistema, os problemas de distribuição ou qualquer outra coisa do tipo. Via-o como um erro seu: um ator mal escolhido para ser o vilão ou o herói, uma revelação da trama feita na hora errada, um truque ótico deficiente. Ou uma avaliação errônea sua sobre a psique de seu público.

Sucesso e invenção

Por exemplo: considerava que A tortura do silêncio tinha fracassado (relativamente) na bilheteria porque a idéia católica do segredo do confessionário era pouco compreensível para um espectador majoritariamente protestante. Pouco importava para ele que o filme fosse, segundo boa parte da crítica (e me incluo nessa linha), uma obra-prima. O fato de o grande público não se interessar era um sinal de fraqueza, de falha, de insuficiência.Se, por um lado, sua obra ajuda a solapar a desconfiança um tanto arrogante da crítica diante de tudo o que faz sucesso, ajuda também a jogar por terra a ideia de que, para atingir o público, é preciso abrir mão da ousadia e da invenção, repetindo fórmulas e formas já experimentadas (e transformadas em fôrmas). Poucos cineastas inventaram tanto, em termos de decupagem, enquadramento, movimentos de câmera. Poucos pensaram de maneira tão cinematográfica (vale dizer: tão distante do discurso literário e da impostação teatral).Por tudo isso, e pelo puro prazer que seus filmes proporcionam, sempre vale a pena voltar a Hitchcock.

HISTÓRIAS ÍNTIMAS - LIVRO DE MARY DEL PRIOR

2011-06-18T17:06:00.000-07:00

Dois meses após lançar" histórias íntimas"(Planeta) --livro que explica a evolução do erotismo no Brasil desde período colonial-- a historiadora Mary del Priore continua no topo da lista dos mais vendidos de não-ficção.

O feito, algo raro no tocante a livros sobre o passado do país, só costuma ser compartilhado por Laurentino Gomes (autor de 1808 e Eduardo Bueno (autor de " A Viagem do Descobrimento"), ambos escritores com um pé fora da academia.

Histórias Íntimasé o 29º livro de Mary del Priore. Desses, 25 seguiram padrões acadêmicos, da época em que estava vinculada ao quadro de docentes da USP. Doze anos atrás, ela se desligou da universidade."Saí estimulada pelos meus filhos, que me viam aborrecida. O sistema de pontuação das universidades públicas te aprisiona num rol de atividades retóricas e burocráticas. É a lógica do 'publish or perish' (publique ou pereça). Isso me neutralizava", diz.Hoje Mary mora em Petrópolis (RJ), de onde falou à Folha, por telefone:

Folha - Em "Histórias Íntimas" você fala que, no século 19, "não havia lugar do corpo feminino menos erótico do que os seios". O corpo da mulher se tornou mais desfrutável desde então?Mary del Priore - Sim, os seios ganharam importância quando a lingerie começou a se difundir, no século 20. Antes, a roupa íntima da mulher era uma sobreposição de saias compridas, repletas de botões e laços. Despir-se era complexo.A lingerie levou o olhar do homem para uma parte do corpo feminino até então vista como meramente funcional, chamadas de "aparelhos de lactação". Mas a grande moda dos seios veio mesmo na década de 1950, com o cinema americano, a Playboy e a Marilyn Monroe.

Como os avanços industriais contribuíram para a ampliação da sexualidade?

A abertura dos portos, em 1808, modificou os hábitos noturnos burgueses. Até o século 19, dormia-se em redes ou esteiras. As relações ocorriam nesses locais, o que as tornava breves. A partir de 1808, passaram a chegar camas e colchões da Europa. E o quarto do casal burguês passou a ser o que chamo de santuário da reprodução.

O sexo também ganhou muito, já no século 20, com a comercialização da pasta de dente, do desodorante, do sabão e de outros produtos de higiene. Eles tornaram o corpo mais limpo e, por consequência, explorável

.Você diz que, a partir dos anos 1960, a ideia do "direito do prazer" fabricou um efeito colateral: o sofrimento pela ausência do prazer. Ele é pior do que a contenção?
Ambos são nefastos. Nossa sociedade passou com muita rapidez da ditadura da contenção para a ditadura do gozo. Hoje, além de escolher os parceiros, as pessoas podem escolher o próprio sexo. Podem ser homem em um dia e mulher no outro. Mas esse excesso causa no homem uma insegurança muito grande.A mulher também está solitária, tanto que as manchetes de revistas femininas continuam ensinando formas de agradar aos homens. E, até os anos 1980, a preocupação das revistas era com o bem-estar da família. A palavra "orgasmo" nem aparecia no vocabulário do casamento.

INTERNET

2011-06-08T16:05:00.000-07:00

Relatório à Assembleia Geral aponta diversas formas de censura — do bloqueio de palavras-chaves a leis penais ultra-restritivas –, mas sustenta: sociedades estão driblando as restrições.

Por Gustavo Capdevilla

O alcance mundial da internet e sua capacidade de informar em tempo real e de mobilizar as populações gera medo entre governos e poderosos, afirmou Frank La Rue, relator especial da Organização das Nações Unidas (ONU) para a Promoção e Proteção do Direito à Liberdade de Opinião e de Expressão. Esse medo levou ao aumento de restrições no uso da rede mundial, mediante a introdução de complexas tecnologias para bloquear os conteúdos, con

trolar e identificar ativistas e críticos, além da penalização de formas legítimas de expressão, afirmou o jurista guatemalteco.

La Rue, que, no dia 3, apresentou seu informe ao Conselho de Direitos Humanos da ONU, mencionou as técnicas de filtragem de informação empregadas na China, mediante tecnologias que bloqueiam conteúdos com a menção de um só conceito, por exemplo, “direitos humanos”. O acesso aos conteúdos significa pluralidade e diversidade na recepção de informação pela internet e também em sua difusão pela rede mundial de computadores. Esse procedimento implica total ausência de censura, disse o especialista.

Essa fortaleza da internet e os levantes populares dos últimos meses no Oriente Médio e Norte da África, especialmente no Egito e na Tunísia, “atemoriza os políticos”, disse La Rue em entrevista coletiva. O relator afirmou que esses levantes não foram “revoluções da internet”, mas revoluções dos povos da Tunísia e do Egito que usaram a internet. Portanto, as mudanças de estilo de governo ou de desenvolvimento dependem das populações dos países, e também está claro que com a internet elas contaram com meios mais rápidos para denunciar as violações dos direitos humanos, para enfrentar a impunidade e para divulgar ao mundo em tempo real o que estava ocorrendo, acrescentou.

Em uma visita à Argélia, La Rue transmitiu aos governantes e especialistas sua convicção de que nos países da região não se pode ignorar o reconhecimento das aspirações da população jovem, que quer mais liberdade, maior participação e pretende ser ouvida. Os jovens também querem mais empregos. A região tem um nível de educação superior ao de ocupação e é muito frustrante para eles estudar e ficar de mãos vazias, disse o especialista. Por isso, este é o momento de ouvir os jovens e suas demandas, além de dar um espaço para se expressarem, ressaltou.

A internet se converteu em um instrumento crucial para favorecer os direitos humanos e facilitar a participação da cidadania e, em consequência, para transformar-se em um fundamento da construção e do fortalecimento da democracia, acrescentou La Rue. Ele também citou outra forma de censura: o uso do direito penal, como ocorre na Coreia do Sul, onde a legislação específica tipifica a difamação como crime com penas de até sete anos de prisão.

A função da internet como meio para o exercício do direito à livre expressão pode ser aperfeiçoada somente se o Estado aplicar políticas para promover o acesso universal a esse serviço, destacou o relator. Sem planos de ação, a internet se tornará um instrumento tecnológico acessível apenas para determinadas elites, o que perpetuará a brecha digital, alertou La Rue.

Esse desequilíbrio se reflete no índice de usuários do sistema, que chega a 71,6% nos países industrializados e cai até a 21,1% nos países em desenvolvimento. Esta disparidade é maior na África, onde há apenas 9,6 usuários para cada cem habitantes, segundo La Rue, que dedicará um estudo especial ao acesso à internet no informe que apresentará na próxima Assembleia Geral da ONU, reunida a partir de setembro.

Os oito Objetivos de Desenvolvimento do Milênio, definidos em 2000 por um fórum mundial, se propõem a reduzir pela metade a proporção de pessoas que sofrem pobreza e fome (em relação a 1990), garantir educação primária universal, promover a igualdade de gênero e reduzir a mortalidade infantil e materna, entre outras metas, até 2015. La Rue recordou que também incluem um chamado no sentido de expandir os benefícios das novas tecnologias, especialmente as da informação e da comunicação.

Entre os projetos patrocinados pela ONU nessa área, figura o projeto “Um Computador por Aluno”, apoiado pelo Programa das Nações Unidas para o Desenvolvimento (Pnud). La Rue felicitou o Uruguai porque com a aplicação desse projeto, chamado Plano Ceibal e em vigor desde 2007, conseguiu distribuir computadores a toda sua população escolar. O relator da ONU mencionou o caso de Ruanda, que distribuiu entre sua população escolar infantil 56 mil computadores como parte de um plano que prevê a entrega de cem mil equipamentos.

O FIM DA ÓPERA NO THEATRO MUNICIPAL DO RIO DE JANEIRO. ESPETÁCULO ABAIXO DA CRÍTICA

2011-05-18T04:23:00.000-07:00

Mais uma vez a improvisação e o total desconhecimento da arte da ópera esteve presente no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. O público conhecedor em sua minória saiu perplexo com o péssimo espetáculo. Houve vaias, poucas, pois o público sem formação aplaude até a Minnie no papel de Lúcia. Rosana Lamosa, brasileira e a argentina Paula Almerares disputaram a pior interpretação da protagonista. A primeira fez o que pode, ou seja o seu registro e volume em momento algum alcançou o mínimo desejado, jamais poderia ser Lucia. A Srª Almerares, gritou, desafinou e em determinado momento pensou estar cantando um "tango". Os demais cantores, com excessão de Lício Bruno a duras penas, conseguiram com afinco destruir o espetáculo. Perdidos no palco sem a mínima interpretação contribuiram para o desastre envolto em um cenário inadeguado, por certo com prentensões "contemporâmeas". Os responsáveis pela montagem se acham melhores que a própria obra. O figurino e a iluminação escuros contribuiram para a morte prévia do espetáculo. O coro sem nenhum brilho e postura desejada para situar o espetáculo. O pseudo balé e a pantomima de perfomaces da coreografia era hilário, uma boa pantomima está na habilidade adquirida pelo pantomímico em se transfigurar no ato da interpretação, passando para a plateia todas as ações e mensagens pelos gestos o que não acontexeu. Uma ópera se monta com profissionais que entendam de ópera e utilizem meios para encantar o seu público . O Theatro Municipal do Rio de Janeiro perde a cada montagem as referências adquiridas ao longo de sua trajetória. Peçam auxílio aos profissionais do Thetro Colon de Buenos Aires, contratem bons cantores, cenógrafos e figurinistas. enfim quem entenda de ópera.

Vicente de Percia

Abaixo o chamado para o desastroso espetáculo.
Presença bissexta nos palcos brasileiros e ausente desde 1972 do Theatro Municipal do Rio de Janeiro – vinculado à Secretaria de Estado de Cultura –, a ópera Lucia di Lammermoor, de Gaetano Donizetti, ganha nova montagem a partir de 14 de maio, com direção e cenografia de Alberto Renault. Uma das mais conhecidas obras do autor italiano, a ópera reunirá grandes nomes da cena lírica brasileira – como Rosana Lamosa, Luciano Botelho, Lício Bruno, Rodolfo Giugliani, José Gallisa, Carla Odorizzi, André Vidal e Ricardo Tuttmann –, além da argentina Paula Almerares e o colombiano Cesar Gutierréz. O espetáculo também conta com premiada ficha técnica, que inclui a figurinista Claudia Kopke, o iluminador Maneco Quinderé e a coreógrafa Márcia Milhazes. À frente da Orquestra e Coro do TMRJ estará o maestro Silvio Viegas.
“É uma oportunidade de trazer ao carioca uma das mais belas óperas de Donizetti e do repertório mundial, há muito afastada dos palcos da cidade”, destaca a presidente da Fundação TMRJ, Carla Camurati.
Para esta encenação, Alberto Renault criou uma sucessão de quase 200 planos sobrepostos em diferentes níveis, que se estendem para o alto até o fundo do palco, perdendo-se de vista. “O cenário é um elemento determinante na concepção desta montagem e traduz visualmente a relatividade dos personagens. Dependendo do plano em que nos encontramos, somos maiores ou menores que os outros, como a competição ou a política, por exemplo, nos ensina. O amor tenta nos colocar em um mesmo plano, mas nem sempre consegue. É uma metáfora das relações humanas”, explica. Com altos e baixos, alturas e abismos e sem um céu visível, sua geografia remete às falésias da Escócia, país onde se passa a história, mas pode sugerir também um labirinto de Escher.

BERTOLUCCI COMENTA O FUTURO DO CINEMA E A 3D

2011-05-13T20:23:00.000-07:00

O Festival de Cannes homenageou o cineasta italiano Bernardo Bertolucci com uma Palma de Ouro Honorária pelos anos de contribuição ao Cinema – honraria até então exclusiva do trio Ingmar Bergman, Woody Allen e Clint Eastwood. A partir desse ano, o prêmio pela carreira passará a ser anual, distribuído entre os poucos cineastas que, como Bertolucci, Bergman, Allen e Eastwood, tenham se tornado referência e objeto de comparação entre os colegas.
No caso de Bertolucci, o sucesso foi conquistado por trabalhos engajados como “Antes da Revolução” (1964) e “O Conformista” (1970) e obras polêmicas como “Último Tango em Paris” (1972) e “Os Sonhadores” (2003), seu último longa-metragem. Na América, emplacou o grandioso “O Último Imperador” (1987), que lhe rendeu os Oscars de Direção e Roteiro. Agora, aos 71 anos, relegado à cadeira de rodas por conta de uma hérnia de disco e uma bateria de cirurgias, Bertolucci recebeu a sua Palma na 64ª edição do Festival.

BLOG DE PERCIA RESALTA: HOMENS E DEUSES EXISTE UM CINEMA CRISTÃO

2011-05-13T12:14:00.000-07:00

Por José Geraldo Couto

A pergunta acima me veio à mente enquanto assistia a Homens e deuses, de Xavier Beauvois. Não me refiro, é claro, aos épicos bíblicos hollywoodianos, com seus imponentes Moisés, seus Cristos ensanguentados e seus atléticos Sansões. Nem à baixa exploração sentimental-comercial do “filão”, em filmes como os brasileiros Maria, a mãe do filho de Deus e Nossa Senhora de Caravaggio.
Penso, antes, nos dramas espirituais profundos e sublimes de Carl Dreyer (A paixão de Joana d’Arc, Ordet), de Robert Bresson (Diário de um pároco de aldeia, Pickpocket, Mouchette), de Maurice Pialat (Sob o sol de Satã), de Hitchcock (A tortura do silêncio).
É nessa vertente que se insere o belo filme de Beauvois. É essa linha que ele atualiza e problematiza. Sua situação dramática – um mosteiro trapista situado nas montanhas da Argélia dilacerada pela guerra civil – parece se organizar em torno de uma questão essencial: é possível ser cristão num mundo sem Deus, ou no qual o nome de Deus é evocado para justificar o ódio e a violência?
Ser cristão, evidentemente, não é apresentar-se como tal (católico ou evangélico) da boca para fora, mas sim agir de acordo com ideais de renúncia e fraternidade supostamente ensinados pelo próprio Cristo. Por esse critério, nem o Papa (aliás, muito menos o Papa) é cristão. Mas os frades de Homens e deuses o são, ou tentam ser. São homens de carne e osso, portanto frágeis e contraditórios, mas têm como norte, como meta sabidamente inatingível, a integridade moral e espiritual.

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CONSTRUÇÕES UTÓPICOS EM CARTAZ

2011-05-04T19:46:00.000-07:00

Articulado por pesquisadores da UFMG portal reúne pôsteres que contam a história das utopias políticas do século 20.
A grande rede abriga desde março de 2011 um tesouro para quem estuda artes gráficas, publicidade, história, sociologia, ciência política e outras ciências. O portal Poster Gallery: Utopian Constructions reúne mais de 3100 cartazes que traçam um panorama visual da política no século 20 – disponíveis em altíssima definição e acessíveis por mecanismos de busca variados e instigantes.
Iniciativa da Nanyang Technological University (NTU), instituição federal em Cingapura, o projeto é coordenado pelo professor Heitor Capuzzo, da Escola de Belas-Artes (EBA) da UFMG, que está em Cingapura, e foi produzido em conjunto por Marilia Bérgamo e Carlos Falci, também da EBA, além de Manuel Reis, da USP. A intenção é que atividades em torno do portal sejam inseridas em projetos de pesquisa e extensão na UFMG.
A grande maioria dos cartazes é de propaganda política, em que predominam pôsteres produzidos na antiga União Soviética, no Leste europeu e na China. A Coreia do Norte, há décadas um dos regimes mais fechados do planeta, aparece com 140 cartazes. “O portal é parte de pesquisa sobre como a mídia representou, ao longo do século 20, propostas de criação de novas sociedades”, explica Heitor Capuzzo, que está licenciado da UFMG e chegou a Cingapura em 2009.O material recebeu tratamento gráfico que envolveu uso de escâneres de altíssima resolução, e os cartazes podem ser impressos com qualidade equivalente (ou quase) à original. “Os arquivos têm até 40 megabytes, o que não é comum em sites do gênero”, informa Carlos Falci. “É possível realizar estudos muito acurados dos cartazes do ponto de vista visual”.
Busca variadaUm dos responsáveis pela classificação dos pôsteres e pela estruturação da busca, Falci destaca também a variedade das formas de encaminhar a pesquisa. Para começar, um menu lista categorias como país, data, sociedade, elementos visuais e até expressões faciais. Um segundo caminho é a escolha de tags que mostram os temas que mais aparecem no conjunto de cartazes.

VIRUS TRANGÊNICO REFORÇA ENERGIA

2011-05-02T20:14:00.000-07:00

Num sinal de que ciência pode desenvolver fontes energéticas limpas, pesquisadores empregam nanotecnologia para elevar capacidade geradora dos coletores de luz. Na Agência Fapesp
Um grupo de pesquisadores do Instituto de Tecnologia de Massachusetts (MIT), nos Estados Unidos, descobriu uma forma inusitada de melhorar a eficiência na conversão de energia solar em elétrica: por meio do uso de vírus.
O estudo, publicado na revista Nature Nanotechnology, emprega também nanotubos de carbono para aumentar a eficiência no agrupamento de elétrons na superfície da célula solar para a produção de corrente elétrica.
Essa propriedade dos nanotubos era conhecida, mas seu uso em tal aplicação era prejudicado por dois problemas. Em primeiro lugar, sua fabricação produz geralmente uma mistura de dois tipos: semicondutor e metálico. Outro problema é que os nanotubos tendem a se aglutinar, o que reduz sua eficiência.
A nova pesquisa mostrou que os efeitos dos dois tipos de nanotubos são diferentes e que os semicondutores podem melhorar o rendimento das células solares, enquanto os metálicos têm o efeito oposto.
Para resolver o problema do aglutinamento dos nanotubos, entram em cena os vírus. Xiangnan Dang e colegas observaram que uma versão modificada geneticamente de um vírus conhecido como M13, que geralmente infecta bactérias, pode ser usada para controlar o arranjo de nanotubos em uma superfície, mantendo-os separados e isolados de modo que eles não grudem uns nos outros nem causem curtos-circuitos.

BIENAL DE VENEZA DE 2011 OPTA POR "ARTE" DO CONFLITO DE ARTISTAS EGÍPCIOS

2011-05-02T19:38:00.000-07:00

GRAFITE DE HOSNI MUBARAK

"Obras" que demonstram o descontentamento com a repressão do ditador Hosni Mubarak, entre elas a do artista Ahmed Bassiony, morto ao filmar conflitos serão as grandes vedetas da nova edição da Bienal de Veneza. O "novo", novamente surge para atrair o circuito da arte. Várias redes sociais fizeram parte da divulgação dos grafiteiros egípcios, pouco apuro técnico e mesmo estético cercam estas composições, porém nada melhor como regra 3 para tentar motivar este evento. A última edição da Bienal de Veneza foi inexpressiva e os reais questionamentos da arte foram descartados, certamente se repetirá amesma "mestice".

30ª BIENAL INTERNACIONAL DE SÃO PAULO

2011-04-04T19:04:00.000-07:00

As últimas edições da Bienal de São Paulo têm sido decepcionantes. Repleta de improvisações é de "vedetismos"ela se torna cada vez mais distante de informações e questionamentos da arte. Os temas propostos não estabelecem coerência com as " obras" apresentadas. Seria de mais valia que os curadores fizessem um estágio no desfile das escolas de samba, detendo-se sobre o requisito enredo, tenho certeza que aprenderiam algo.

Vicente de Percia

Luiz Pérez-Oramas é curador de arte latino-americana do Museu de Arte Moderna de Nova York (o MoMa) e estará à frente da Bienal de SP em 2012 (Divulgação) "A 30ª edição do da Bienal de Artes de São Paulo, prevista para 2012, terá o desafio de trabalhar a relação do Brasil com o mundo, através de um filtro brasileiro e latino-americano. Foi o que anunciou nesta quarta-feira, em encontro com a imprensa, o curador-chefe do evento, Luiz Pérez-Oramas. “Temos um argumento brasileiro muito bem formado e articulado com o cenário da América Latina”, disse.Nascido em Caracas, Venezuela, Luiz Pérez-Oramas é curador de arte latino-americana do Museu de Arte Moderna de Nova York (o MoMa), e está em licença de suas funções no museu para tocar os trabalhos no evento, marcado para os meses de setembro a novembro do ano que vem. O venezuelano também será responsável em 2013 pelas mostras itinerantes decorrentes da 30ª Bienal e pela participação brasileira na Bienal de Veneza.Além de Oramas, três curadores estão no projeto: André Severo, Tobi Maier e Isabela Villanueva. “Uma equipe em que cada um tem um campo de experiência diferente e que cobre bem todas as dimensões que queremos explorar”, afirmou o curador-chefe. Segundo ele, os quatro se encontrarão em São Paulo pelo menos uma vez por mês para discutir o projeto e entrar em contato com a cidade e com os artistas.Para Oramas, a Bienal tem um papel transformador da cultura brasileira, função que estaria mais viva do que nunca. “A Bienal de São Paulo é historicamente um ponto de convergência cultural. A nossa ideia é que seja também um palco de radiação. Para isso, vamos andar bastante pelo Brasil, não só para expandir a Bienal, mas para mudar a Bienal também”, completou André Severo. Oramas afirmou ainda que a 30ª edição terá menos artistas com obras expostas e que também há uma vontade de levar a exposição para as ruas de São Paulo. Isso pode ser feito durante todo o ano de 2012.Até Dezembro deste ano, estará definida a lista completa de artistas que participarão da mostra, mas em maio os curadores já terão uma lista com as obras pré-selecionadas. Em Setembro, deve ser feita a decisão sobre o desenho arquitetônico da exposição. Segundo a Fundação Bienal, cerca de quarenta pessoas trabalham na produção do evento, cujo orçamento não foi revelado."

ARQUITETURA DA RECONSTRUÇÃO CHILENA

2011-03-24T20:59:00.000-07:00

Depoimento de Patricio Mardones à revista AU de março fala da do papel dos arquitetos após tragédias como terremotos. Como contribuir para a recuperação do espaço?Mauricio Lima, com informações da revista AU
Após o acontecimento de uma catástrofe natural, há a necessidade da reconstrução do espaço afetado, para que as pessoas voltem a viver em sua localidade. Essa reconstrução aconteceu no Chile, em fevereiro de 2010, e deverá acontecer agora no Japão.
Na última edição da Revista AU, o arquiteto argentino Ricardo Sargiotti, sócio-fundador do estudio x arquitectos e professor de desenho arquitetônico na Faculdade de Arquitetura da Universidade Católica de Cordoba, perguntou ao arquiteto chileno Patricio Mardones como funciona o processo de reconstrução de um país após a tragédia.Leia a seguir alguns trechos desta entrevista.

"DESGASTE" NA ARTE CONTEMPORÂNEA

2011-03-18T20:29:00.000-07:00

Paredes descascadas e caindo aos pedaços incomodam os olhos? Não se todo o desgaste for causado propositalmente como acontece neste museu em Portugal. O MACE (Museu de Arte Contemporânea de Elvas) é o antigo Hospital da Misericórdia local e conta com instalações que, à primeira vista, podem parecer puro entulho.
A mostra "Museu em Ruínas" é resultado da reunião de diversos artistas na transformação do Hospital em ambiente cultural.

EGITO:TEORIA DO CAOS À AMERICANA

2011-03-17T20:06:00.000-07:00

Por Pepe Escobar, do Asia Times Tradução: Coletivo VilaVudu
Condoleeza, Condoleeza. Dê um visto para ele[Cantado, ouvido na Praça Tahrir, Cairo]

Quem esteja acreditando que a “transição pacífica” de Washington liderada pelo vice-presidente Omar Suleiman (vulgo Sheikh al-Tortura, como se ouve de manifestantes e ativistas dos direitos humanos) satisfará multidão egípcia acredita também que Adolf Hitler ou Joseph Stalin ter-se-iam safado com qualquer simples injeção de silicone.
A multidão no Egito é urbana e jovem e luta por pão, liberdade, democracia, internet, empregos e algum futuro decente, – e outras multidões por todo o mundo árabe, dois terços da população total, entendem perfeitamente o movimento dos egípcios.
Verdadeira “mudança em que se pode acreditar” (na versão egípcia) não significa apenas se livrar de um ditador que dura 30 anos, mas também do torturador-em-chefe, que até hoje sempre foi interlocutor-chave de Washington, Telavive e capitais europeias, e expoente de um regime apodrecido até o âmago, dependente da exploração sem piedade dos próprios cidadãos e receptador de ajuda que os EUA lhe oferece para implantar agendas a favor das quais virtualmente ninguém votaria no mundo árabe.
“Transição ordeira” pode também ser tomada como eufemismo chocante para “sentar no muro” – o que é muito diferente de exigir claramente qualquer democracia. A Casa Branca está convertida numa sucessão de pretzels brancos dedicados a tentar salvar o que reste do conceito. Mas fato é que, tanto quanto o Faraó Mubarak é escravo da política externa dos EUA, também o presidente Barack Obama está preso na arapuca de imperativos geopolíticos e vastíssimos interesses corporativos que não pode nem sonhar com incomodar.

MOSTRA SOB O PESO DOS MEUS AMORES

2011-03-16T19:50:00.000-07:00

Bordado sobre linho, uma das obras na retrospectiva. A arte contemporânea do cearense José Leonilson Bezerra Dias (1957-1993) passa longe do apelo cerebral. Repletos de pessoas, objetos do cotidiano, rios e montanhas, seus mais de 3.700 desenhos abordam relações amorosas, conflitos humanos e uma revolta poética reforçada, por vezes, com a inscrição de frases ou palavras de ordem no meio ou nas bordas dos trabalhos. No Itaú Cultural, a retrospectiva Sob o Peso de Meus Amores ocupa três andares com 300 pinturas, bordados, brinquedos e, principalmente, desenhos de Leonilson. No subsolo, há uma escultura em forma de globo, feita em conjunto com o alemão Albert Hien e trazida de Munique especialmente para a exposição – mede 2,30 metros de largura, 5 de altura e 2,40 de profundidade. A mostra inclui também a reedição de sua derradeira obra, no espaço para o qual foi concebida: a Capela do Morumbi. Executada por amigos artistas antes da morte de Leonilson, vitimado por complicações decorrentes da aids, trata-se de uma epifania, feita de roupas brancas costuradas e bordadas. SOB O PESO DOS MEUS AMORES. Itaú Cultural: Av. Paulista, 149, t Brigadeiro, tel. 2168-1776

MÉXICO CAPTADO POR RULFO

2011-02-18T01:54:00.000-08:00

Rulfo publicou as primeiras fotos em 1949, na revista América, realizando sua primeira exposição apenas em 1960, em Guadalajara. Discreto e criterioso, ele só começou a ficar conhecido como fotógrafo após uma grande exposição realizada no Palácio de Belas Artes da Cidade do México, em 1980, acompanhada de um catálogo, Homenaje Nacional, seis anos antes de sua morte. Este seria transformado num livro, Inframundo, que chegou às mãos da crítica e ensaísta norte-americana Susan Sontag (1933-2004), autora de um livro fundamental sobre fotografia e do prefácio da segunda tradução inglesa de Pedro Páramo. De lá para cá outros livros foram publicados sobre sua obra fotográfica, entre os quais Juan Rulfo, Letras e Imágenes (2002), em que é explorada a relação entre literatura e fotografia na obra do escritor.
Ruínas. No livro que está sendo lançado, esse é um aspecto igualmente lembrado, mas é na tragédia da infância de Rulfo que os curadores vão buscar explicações para o aspecto desolador de suas ruínas, de seus desamparados camponeses e da desértica paisagem mexicana. O curador Andrew Dempsey diz que a chave para decifrar essa terra devastada - tão bem descrita em Pedro Páramo, homem frustrado por um amor impossível, vivendo num território fantasmagórico - é mesmo a tragédia enfrentada por Rulfo quando criança. O pai morreu assassinado quanto ele tinha 6 anos - e esse choque é traduzido, em Pedro Páramo, pela loucura de Susana, a paixão juvenil do narrador onisciente, uma morta-viva quando reaparece em Comala, viúva de Florêncio e enlouquecida pelo assassinato do pai.

QUOTES DE SIMONE DE BEAUVOIR

2011-02-18T01:44:00.000-08:00

• Uma pessoa não nasce, mas torna-se, uma mulher.
• Para libertar a mulher é se recusar a confiná-la às relações que ela tem para o homem, não para negá-los a ela, deixar que ela tem sua existência independente e que ela continuará no entanto a existir também a ele, reconhecendo mutuamente um ao outro como sujeito , cada um ainda vai ficar para o outro um outro.
• O homem é definido como um ser humano e uma mulher como uma mulher - sempre que ela se comporta como um ser humano, ela se diz a imitar o sexo masculino.
• Este tem sido sempre um mundo de homens, e nenhum dos motivos que têm sido oferecidos na explicação que pareceu adequada.
• Representação do mundo, como o próprio mundo, é o trabalho dos homens, eles descrevem que a partir de seu próprio ponto de vista, que eles confundem com a verdade absoluta.
• O mais simpático dos homens que nunca compreender totalmente a situação da mulher é concretados.
• Sociedade, sendo codificada pelo homem, decreta que a mulher é inferior, ela pode acabar com essa inferioridade só destruindo a superioridade do macho.
• Quando abolimos a escravidão de metade da humanidade, juntamente com todo o sistema de hipocrisia que implica, em seguida, "divisão" da humanidade vai revelar seu significado verdadeiro e que o casal humano encontrará sua verdadeira forma.
• Se o seu funcionamento como uma mulher não é suficiente para definir a mulher, se o declínio também para explicar o seu através do "eterno feminino", e se, no entanto, que admitir, a título provisório, que as mulheres existem, então temos de enfrentar a questão: o que é uma mulher?
• Para travar um marido é uma arte; para segurá-lo é um trabalho.
• Poucas tarefas se parecem mais com a tortura de Sísifo, além dos afazeres domésticos, com a sua interminável repetição: a limpeza torna-se suja, a suja é feita limpa, mais e mais, dia após dia.
• Defender a verdade não é algo que se faz fora de um senso de dever ou para acalmar complexos de culpa, mas é uma recompensa em si mesmo.

ALMOÇO DE CONFRATERNIZAÇÃO DO CEAQ-BRASIL EM TORNO DO SEU PRESIDENTE VICENTE DE PERCIA NO JOQUEY CLUB DO RIO DE JANEIRO

2011-02-16T16:52:00.000-08:00

Da direita para esquerda o crítico, escritor, Drº Vicente de Percia e presidente do CEAQ-BRASIL, Drº Roberto Cavalcanti, Vice presidente, Drº Amoedo, secretário, profº de comunicação UERG, Drº Guilherme, pesquisador, Profª Sylvia Deslande, pesquisadora de educação, Instituto de Educação,Wanda Padilha, artista, técnica em turismo. O " Centre d'Etude sur L'Actual Et Le Quotidien" é um gerador de projetos com parcerias públicas e privadas. Seu presidente honorário e o Drº Michel Mafessoli, Paris, França, Université Sorbone.

VALE A PENA RELEMBRAR: ENTREVISTA COM CATHERINE DENEUVE

2011-01-27T16:28:00.000-08:00

(Entrevista de Antonio Nahud Júnior. Local: auditório da FNAC, em Barcelona, Espanha, 2002. Publicada em jornais de Portugal e Brasil, também faz parte do livro “ArtePalavra – Conversas no Velho Mundo”)
Perturbado, com um misto de comoção e nervosismo, observei atentamente a estrela madura e elegante, que um dia a revista Look batizou como “a atriz mais bela do mundo”, concluindo que ela conserva intacto o fascínio aristocrático. Respirei fundo, seguindo seus movimentos e esperando minha hora de iniciar a conversa. O local do nosso encontro está lotado de jornalistas, fotógrafos, convidados e curiosos. A impressão que se tem é que estamos diante de um monumento vivo.
Debutando no cinema aos 14 anos, em papel secundário, CATHERINE DENEUVE projetou-se em 1962, como a protagonista de “O Vício e a Virtude”, do seu pigmalião e amante, Roger Vadim (ex-Bardot e futuro Jane Fonda). Nascida em Paris, 1943, filha de atores de teatro e irmã da também atriz Françoise Dorléac, que morreu num acidente de carro aos 25 anos, ganhou duas vezes o prestigiado prêmio César de melhor atriz (por “O Último Metrô” e “Indochina”), obteve uma nomeação ao Oscar de atriz protagonista e levou mais um prêmio no Festival de Veneza como a rica viúva bêbada e deprimida de “Place Vendôme”.
Ela construiu uma carreira arriscada, selecionada, sólida e brilhante, filmando com grandes cineastas como Demy, Polanski, Buñuel, Monicelli, Truffaut, Téchiné e Manoel de Oliveira, entre outros. Admirada no mundo inteiro, a atriz é de uma sedução marmórea. Um ícone gélido. Resguardada, durante a entrevista limitou-se aos cumprimentos obrigatórios e às respostas curtas e contundentes. O corpo é pequeno, enxuto; os passos curtos e rápidos, equilibrados em saltos altíssimos. Vestida com um Saint-Laurent negro e adornada por uma vistosa manta de pele, conserva sua eterna beleza na expressividade de cada linha do rosto, na sofisticação natural, no talento calculado, no porte de diva.
Gérard Depardieu disse que a senhora é a mulher que ele queria ser, e na verdade muita gente compartilha esse desejo com ele.
Não exagere, mocinho. De qualquer forma, não gosto de ser modelo de ninguém, porque creio que ninguém deve ser modelo de quem quer que seja. Cada um deve parecer consigo mesmo. Mas Gérard, como o senhor, são muito gentis. De qualquer forma, não creio que mereça ser copiada, não sou feliz, embora tenha vivido muitos momentos felizes. Tenho um caráter melancólico.
Talvez invejem a sua beleza intacta que ilumina as telas e capas de revistas desde o final dos anos 1950...
Estou cansada da minha suposta beleza em primeiro plano, principalmente da dita “beleza fria”, que pouco tem a ver comigo. A beleza pode ser um grande fardo, pode ter certeza. Felizmente nunca me consideraram uma estúpida e o consolo que tenho da maturidade, ao perder a beleza física, é que finalmente lembrarão a boa atriz que sempre fui.
Com certeza está brincando. O seu talento sempre foi evidenciado, desde a burguesa prostituta de “A Bela da Tarde”. Voltando ao que desabafou pouco antes, fiquei surpreso com a sua assumida melancolia.

Séverine em "A Bela da Tarde"
Sim, é verdade. Tenho uma tendência muito grande para a melancolia, principalmente quando o passado me vem à memória. Sei que fui muito mimada pela vida, tenho uma bela carreira, mas não creio que exista a felicidade. Existem momentos felizes que passam rápidos.
Eu imagino-a como uma mulher completamente voltada para a sua profissão, e como ela é muito bem sucedida, seria capaz de jurar que nada abala o seu bem-estar.
Não é bem assim. A minha carreira nunca esteve em primeiro plano na minha vida. Sempre me preocupei muito mais com meus amigos e minha família, principalmente meus filhos. Nunca hesitei em deixar de lado uma boa oportunidade profissional por uma questão pessoal, íntima. Eu gosto do mundo do cinema. É o meu trabalho, e faço o melhor que posso, porém a verdadeira felicidade encontro nos meus filhos, nos meus amores e nos meus amigos.
É conhecida por rigorosamente preservar sua intimidade. Nunca fala de seus romances com Truffaut, Vadim, Mastroianni ou David Bailey. Tampouco sobre os seus filhos.
Esforço-me para preservar a minha intimidade e não me arrependo. Eu tenho dificuldades em revelar-me, inclusive nas telas. Há na construção de cada personagem um mistério, uma imagem lutando para não se entregar por inteiro ao público sedento da verdade imediata. Revelar-me é sempre um grande desafio. Não é algo que prefiro, mas é algo que aceito quando é decisivo para a construção do personagem. Estou disponível para isso, embora comece com uma certa relutância.
Ainda lembra-se do seu primeiro sucesso?
Evidente que lembro, mesmo passados quase 40 anos. Eu era bastante nova, tinha uns 21 anos e tive a felicidade de atuar em “Os Guarda-Chuvas do Amor”, premiado com a Palma de Ouro em Cannes... Ah, bons tempos, Demy era único.
É o seu diretor preferido?
Filmei com muitos grandes cineastas. Demy, como Truffaut, não era apenas diretor de filmes, mas também um lutador, um homem de posições fortes. Demy e Truffaut fazem falta no cinema atual.
Vi recentemente “Os Ladrões” e fiquei impressionado com a sua Marie.
Téchiné é um diretor que procura a alma dos personagens. “Os Ladrões” é um filme difícil, que fala da solidão, da incomunicabilidade dos sentidos, dos jogos do desejo. A Marie é uma figura tocada pela tragédia, uma mulher transfigurada pelo desejo, e quando já não há desejo, é mesmo o fim de tudo. É um personagem dramático e solitário.
Acaba de filmar “A Vingança do Mosqueteiro”. Significa que finalmente resolveu trabalhar em Hollywood?
Está brincando, senhor? Na época de “Fome de Amor” recebi propostas tentadoras para atuar em superproduções hollywoodianas, e preferi continuar filmando na Europa. Muitos disseram que era uma decisão irracional, mas foi uma decisão sensata. Lá jamais seria oferecido a uma atriz reconhecida um papel ousado como o de “Os Ladrões”. Hoje, com a idade que tenho, caso estivesse no cinema norte-americano, praticamente não me ofereceriam trabalho, e se o fizessem não seriam papéis dignos.

Qual o seu papel na trama do grande sucesso “Oito Mulheres”?
Tudo se passa numa distante mansão, às vésperas do Natal. Faço Gaby, a esposa do proprietário que foi assassinado e uma das suspeitas do crime. François (Ozon) desejava filmar “As Mulheres”, o clássico de Cukor somente interpretado por atrizes, como Norma Shearer e Joan Crawford, e como não foi possível, agarrou-se com unhas e dentes ao texto teatral de Robert Thomas. Neste filme ele presta um tributo às estrelas dos anos 50. O meu personagem tem um toque de glamour e vulnerabilidade resgatado de Lana Turner.
O elenco conta com Fanny Ardant, Isabelle Huppert, Emmanuelle Béart, Danielle Darrieux... Não houve problemas nas filmagens nessa junção de tantas atrizes célebres?
Felizmente, não. As filmagens foram realmente tranqüilas. Nada de atos invejosos, ciumeiras ou atritos. Houve uma extraordinária dinâmica de grupo e não tive em nenhum momento a sensação de estar comprometendo minhas companheiras com a minha atuação. O mesmo aconteceu com todas as atrizes. Afinal, não tínhamos do que reclamar, pois todos os personagens são ricos, fortes, cheios de referências e com seu momento de destaque.
Obrigado por sua atenção e gentileza.

TEMPLO DE VENUS É REABERTO EM ROMA

2011-01-19T18:47:00.000-08:00

O maior templo da Roma antiga foi reaberto ao público no último dia 11 após mais de 20 anos em obras. O anúncio ocorre em meio a uma tempestade política sobre a manutenção dos tesouros artísticos italianos, decorrente do colapso da Casa dos Gladiadores em Pompéia.
O Templo de Vênus e Roma, construído durante o governo do imperador Adriano no século 2 (de 121 a 135), situa-se no coração do Fórum Romano, perto do Coliseu. Do imenso edifício original, com duas entradas, restam dezenas de colunas e partes de duas absides com tetos ornamentados. O templo era visível para os visitantes do Fórum, mas o acesso estava interditado por causa das obras. Até os anos 1980, carros podiam até mesmo estacionar em frente às colunas.
"Restauramos para Roma um dos mais importantes símbolos de poder e grandeza do Império Romano", declarou Claudia Del Monte, arquiteta encarregada da restauração do monumento.
O trabalho foi centralizado, principalmente, na pavimentação do templo de Roma e em melhorias nos vãos de sustentação do teto, enegrecidos pela poluição e limpeza de um esgoto próximo ao local.
Erguida nas ruínas da Domus Aurea - a casa do imperador Nero -, a edificação comporta duas partes unidas: o templo de Vênus, deusa do amor e ancestral mística dos romanos, e o templo de Roma A Eterna, deusa da cidade.
Mesmo fechado ao público, o local vinha sendo utilizado, desde o papa João Paulo II, para cerimônias da Sexta-Feira Santa.
Del Monte explicou que certos aspectos da restauração não teriam sido necessários se o local tivesse sido bem conservado: "Os italianos devem estar conscientes de seu patrimônio e parar de maltratá-lo".

O HAITI É AQUI - ABANDONO NOS HOSPITAIS DE RONDÔNIA

2011-01-11T14:59:00.000-08:00

Não há mais limites para o sofrimento enfrentado por pacientes que buscam ajuda médicas nos hospitais de Rondônia. Cenas de desespero deixam os reporteres sem possibilidades de descrever o descaso e o aviltamento sofrido em função das irresponsabilidades na área da saúde - reprises constantes da morte anunciada e da incopetência administrativa. As falsas estatísticas do "progresso" não revelam a realidade da situação da saúde no Brasil. Rondônia não é um fato isolado, os hospitais são sucatas e os que buscam ajuda morrem pelos corredores imundos dos hospitais públicos. Enquanto isto os salários dos políticos são aumentados a patamares que humilham o trabalhador.

O governador de Rondônia, Confúcio Moura (PMDB), apresentou ao ministro da Defesa, Nelson Jobim, um dossiê sobre o estado - que ele classificou como precário - de atendimento na emergência do setor hospitalar de Porto Velho. Moura pediu, como prioridade para combater a crise na saúde, a montagem de um hospital de campanha ao lado do Pronto-Socorro João Paulo II. A reunião entre o governo estadual e o ministro ocorreu na sexta-feira em Brasília, junto com a secretária executiva do Ministério da Saúde, Márcia Amaral, e o secretário de Estado da Saúde, Alexandre Muller.
Na terça-feira da semana passada, o governador visitou o hospital João Paulo II, unidade que recebe uma média de 200 pacientes diários, o que totaliza aproximadamente 6 mil atendimentos por mês. Atualmente, o hospital possui 137 leitos comuns e 10 leitos de Unidade de Terapia Intensiva (UTI). A ideia de montar um novo hospital aumentaria em 100 o número de leitos disponíveis à população. Os pacientes seriam atendidos por médicos do Estado e das Forças Armadas.
Na terça-feira, representantes dos ministérios da Saúde, Defesa e Integração Nacional devem chegar a Porto Velho para realizar um diagnóstico do sistema de saúde.

PESAR

2011-01-09T15:25:00.000-08:00

O mundo de constante vigilância aprisiona

meu corpo e sentimentos.

Poderia estar em outro lugar,

porém estou aqui.

Se fosse possível passar despercebido,

eu mudaria as imagens,

mesmo àquelas que pareço ser feliz.

Vicente de Percia

CESARE PAVESE

2011-01-09T14:27:00.000-08:00

Uma Recordação
Não há homem que consiga deixar uma marca nela. Todo o passado se dilui num sonho como uma rua na manhã e só fica ela. Se não fosse a testa franzida por um momento pareceria atónita. As maçãs do rosto têm sempre um sorriso. Também não se acumulam os dias no seu rosto, nem alteram o sorriso leve que irradia sobre todas as coisas. Com uma firmeza dura faz cada coisa como se fosse a primeira; no entanto vive-a até ao último momento. O seu corpo firme abre-se, o olhar recolhido, a uma voz doce e algo rouca: à voz dum homem cansado. E nenhum cansaço a toca. Quando se lhe olha para a boca, semicerra os olhos à espera: ninguém se arriscaria. Muitos homens conhecem o seu ambíguo sorriso ou a súbita ruga. Se homem existiu que a soube queixosa, humilhada de amor, paga dia após dia, ignorando dela por quem vive hoje. Caminhando pela rua sorri sozinha o sorriso mais ambíguo.

Cesare Pavese, in 'Trabalhar Cansa' Tradução de Carlos Leite

COMENTÁRIOS SOBRE A 29ª BIENAL INTERNACIONAL DE ARTE DE SÃO PAULO

2010-12-23T15:42:00.000-08:00

Arnaldo Jabor

Ao apagar das luzes, fui ver a Bienal. Quase não escrevo sobre ela, mas não aguentei, apesar de não ser crítico de arte. A sensação dominante quer tive foi de ruínas ou de despejos da civilização. Saí triste. Os trabalhos repetem os mesmos códigos e repertórios: terra arrasada, materiais brutos e sujos, desarmonia, assimetria, uma vergonha de ser "arte", vergonha de provocar sentimentos de prazer. A fruição poética é impedida, como se o prazer fosse uma coisa reacionária, "alienada", ignorando o "mal do mundo", que tem de ser esfregado na cara do espectador para que ele não esqueça o horror que nos assola. Há um propósito de evitar qualquer transcendência artística. Um crítico escreveu: "O paradigma romântico foi desmantelado no século 20, porque apresenta a arte como algo universal, acima da realidade social e política".Ou seja, a razão maior da arte, que é justamente esse mistério que aponta para "as coisas vagas" (como escreveu Paul Valéry) sem as quais não há reflexão poética ou filosófica, foi jogada fora, em nome de uma racionalização criada para substituir nossa impotência política real.Fui andando pelo pavilhão maravilhoso do Niemeyer, pensando que o edifício "modernista" era superior a qualquer panfletinho ali exposto.Pensei que o império da sordidez mercantil, a ignorância no poder, o fanatismo do terror, a boçalidade cultural, toda a tempestade de bosta que nos ronda está muito além do alcance crítico de qualquer "denúncia" artística. Não adianta mais "chocar" ou "conscientizar" ninguém. Nada que haja na Bienal nos choca mais que homens-bomba explodindo discotecas ou a fome na África ou a lama das favelas e periferias. Nada. Os gestos enraivecidos da antiarte nem arranham a pele do mundo. Nesta Bienal vi um parque temático de deprimidos, um muro de lamentações inúteis - a melancolia como "denúncia" de uma vida sem solução, quando a grande critica ao Ocidente é feita pelos terroristas islâmicos. A infeliz sentença de Stockhausen chamando o 11 de Setembro de "obra de arte" tem sim um bruto fundo de verdade. Nada pode explicar ou evitar aquele horror. Nunca imaginávamos que o século 21 seria parecido com o século 7, quando Maomé se declarou o único profeta. Intelectuais e artistas vivem em pânico, pois o tempo de sínteses se extinguiu. Os acontecimentos estão incompreensíveis e, no entanto, óbvios demais. Claro que os artistas contemporâneos não podem ignorar o horror do mundo e têm de acusar o golpe. Sim, mas mesmo em tempos terríveis, há que se buscar alguma transcendência, esperança e vitalidade.Tropeçando em perigosas "instalações", pensei que a morte da "aura" da arte é menos aceita do que pensávamos. Hoje, muitos artistas se vêem como ex-profetas abandonados e passaram a usar a luz da "aura" como um halo, como uma coroa de espinhos para sua solidão. O artista quer virar obra de arte. E tudo faz para esquecer seu abandono, mesmo que seja expor seus excrementos numa latinha. E vemos que ele não abriu mão da representação, mas cultiva-a ao avesso da beleza, como uma doença favorita. Ele é a representação, ele é a paisagem.Acho que nesta desistência da arte transcendental há um complexo de inferioridade diante da tecnociência, que está avassalando nossas vidas. Nietzsche não concordaria: "A arte é mais poderosa que a Ciência, pois ela quer a vida, enquanto o objetivo final do conhecimento é o aniquilamento." Nietzsche escreveu isso no fim do século passado, querendo dizer que, por trás da busca científica e racional da verdade, mora o desejo da morte, de esgotamento da vida, por uma letal explicação de tudo.Claro que não tenho nível para aprofundar este tema, mas temos hoje esta metástase digital hipertecnológica ao lado de um indigente, tuberculoso desempenho artístico do mundo. Temos de um lado o mercantilismo escroto de Hollywood, dos teatrões, das galerias chics ou dos best-sellers. Do outro, a solidão melancólica das Documenta, os bodões negros dos guetos da revolta "oficial".Sem dúvida, a grandeza da arte contemporânea é de se misturar à vida, sem suporte, mas sem negá-la de fora, atacando-a com rancor por sua falta de sentido claro. Nisso, o WikiLeaks mata a pau.Movidos pela ideia socrática de que a arte tem de ser subordinada à Razão, os artistas caíram numa denúncia melancólica das impossibilidades. Não há futuro para esta idéia de arte , seja ela digital, mercantil, iluminista ou o cacete a quatro. A celebração dionisíaca do existir não pode ser considerada frescura ou alienação.Prevaleceu a vertente "triste" do modernismo, a vertente "conceitual" que joga sobre o "mal do mundo" apenas uma ideologia nevoenta de condenações sem nome, apenas uma arte enojada contra o mal-estar da civilização.Por que a melancolia seria mais profunda que a alegria? Como explicar Fred Astaire, Busby Berkeley, "Cantando na Chuva', a arte pop, o jazz? Depois do pop, será que uma "Aids conceitual" não atacou tudo, depauperando a luta? Será que não se esgotou a denúncia do feio pelo "mais feio", que odeia a vida real, por adesão a um impossível finalismo? O "novo" não poderia ser um "belo" que denuncia , com sua luz, a injusta vida?Precisamos de arte, como uvas e frutos e danças e como um coro de Silenos, de Dionísios, pois a ciência e a razão estão querendo chegar até os ossos da "essência". A arte é a ilusão aceitada, a clareza feliz de que a aparência é o lugar do humano e que só nos resta essa hipótese de felicidade num planeta gelado. Não a arte-espetáculo, mercadoria de ver, mas a arte como ritual de embelezamento da vida. Nietzsche: "A ilusão é a essência em que o homem se criou."Lembrei-me então de uma frase de Stravinsky: "A obra de arte deve ser exaltante". E uma de Artaud: "A arte não é a imitação da vida; a vida é que é a imitação de ?algo? transcendental com que a arte nos põe em contato". Por isso, não gostei da Bienal.Fui andando pelo pavilhão maravilhoso do Niemeyer, pensando que o edifício "modernista" era superior a qualquer panfletinho ali exposto.

PATAGÔNIA À VENDA

2010-12-20T15:34:00.000-08:00

Por r, do Asian Times
Tradução: Caia Fittipaldi, Vila Vudu Imagem: Clara P. GlaPerito Moreno.

A “deserta e estéril” Patagônia (na avaliação inicial de Charles Darwin) são nada menos que 230 mil quilômetros quadrados de bacias de rios que desaguam no Atlântico. São 4 mil quilômetros quadrados de gelo continental e glaciares – além de uma das maiores reservas de água doce do planeta.
Vivemos hoje os estágios avançados de uma guerra global sem fim à caça de petróleo e gás (há dos dois, aliás, na Patagônia). Relatório crucial da Unesco já avisava, em 2000, que nos cinquenta anos seguintes praticamente todos os seres que habitam o planeta enfrentariam problemas relacionados à falta de água ou à contaminação de grandes massas de água. Quando eclodir a Grande Guerra das Águas – esperada para 2020 – essa Patagônia de lagos azuis translúcidos e glaciares milenares será posta a prêmio; ter água implicará riqueza infinitamente maior do que, hoje, ter petróleo ou gás.
Mentes analítico-bélicas no Pentágono e na Agência Central de Inteligência (CIA) dos EUA não conseguirão deter os sonhos molhados de uma Patagônia secessionista, que será uma espécie de última Arábia Saudita líquida da Terra. População rarefeita (menos de 2 milhões de habitantes), com toda aquela água, abundantíssima energia hidrelétrica e 80% das reservas de petróleo e gás natural da Argentina. O grau de descaso e negligência de que se ressentem os habitantes da Patagônia, em relação a Buenos Aires, pode ser comparado ao que se sente no Baluquistão, no Paquistão, em relação a Islamabad. Pesquisas recentes mostraram que o desejo de viver numa Patagônia independente sempre está acima de 50% (e chega a 78% entre os mais jovens e os desempregados).
A descrição de uma rota de colisão e desastre, de quatro séculos de “desenvolvimento” patagônico, teria aproximadamente o seguinte feitio. No começo foram os povos nativos. Depois vieram os navegadores ibéricos, os piratas ingleses, todos os tipos de cientistas europeus aplicados, os missionários religiosos, os exilados que sonhavam fazer da Patagônia uma versão austral da América. Então chegaram os latifundiários – do Chile ou da Holanda, do País de Gales ou da Polônia, da Escócia ou Dinamarca.
Livrar-se das populações nativas foi colonialismo nu e cru. Os patagônios do norte foram exterminados pela infame e eufemística Campanha do Deserto, de 1879; os do sul foram convertidos, à força, em força de trabalho para o agro-business. E então, nos anos 1990, chegaram os bilionários do “primeiro mundo”.
Segundo o exército, mais de 10% do território argentino pertence a estrangeiros.As vendas prosseguem. E não há contole algum sobre os projetos dos controladores
Como sabem todos os bilionários encantados com a vida selvagem e seus executivos enfarpelados, a venda da Patagônia começou em 1996, no governo do ultra-neoliberal Carlos Menem. Em suas próprias palavras, Menem desejava vender “o excesso de terra” do país que presidia. Não há legislação federal, na Argentina, que regule a venda de terras a estrangeiros. Só no final da década de 1990, venderam-se mais de 8 milhões de hectares de terra. Segundo o exército argentino, mais de 10% do território nacional pertence hoje a estrangeiros – e as vendas prosseguem. O problema não é a venda; o problema é o controle, virtualmente nenhum, sobre os projetos propostos para investimento.
Se você for abonado, ainda comprará o que quiser, onde quiser – inclusive as áreas dos espetaculares parques nacionais. Cada província fixa regras próprias. Se você encontrar o funcionário certo e levar consigo a mala certa carregada com os dólares certos, o mundo – à moda de Tony Montana[2] – é seu. Não surpreende que praticamente todos os moradores das províncias de Rio Negro ou Santa Cruz digam que o gabinete do prefeito é a principal agência de venda de terras da cidade. Os mesmos moradores inevitavelmente lamentam que a Patagônia esteja sendo comprada por estrangeiros – de Ted Turner à família Benetton. E duas das maiores empresas de petróleo da Patagônia pertencem a estrangeiros; uma delas, estatal, foi vendida à Espanha; a outra, privada, à Petrobrás brasileira.
Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse – versão local, no fim do mundo – são Tompkins, Turner, Lewis e Benetton. São a safra do século 21 dos conquistadores, aventureiros e piratas da Patagônia – de Francis Drake e George Newbery a Butch Cassidy e Sundance Kid (o rancho deles continua lá, em Cholilla, resto de pueblo que combinaria perfeitamente no cenário das áreas mais miseráveis do Novo México). Os estrangeiros sempre sonharam com esse fim do mundo. A beleza violenta desse lugar – como adiante se verá – leva às lágrimas muito homem feito.
Doug Tompkins é guru “verde” californiano, fundador de duas organizações, The North Face e Esprit. Na Patagônia é conhecido como “o dono da água”. É o maior proprietário privado de recursos naturais da Patagônia chilena, e da região de Corrientes, na Argentina; e é dono de várias estâncias, todas estrategicamente distribuídas pelo mapa. Quando Tompkins bateu os olhos pela primeira vez no sul da Patagônia, do lado chileno, e depois no noroeste da Patagônia, do lado argentino, em 1961, chorou feito bebê. Depois voltou – e pôs-se a comprar.
Ted Turner, fundador da CNN e fanático por pesca de trutas e dono de uma villa espetacular, em área de 5 mil hectares, no sul da província de Neuquen, de onde controla completamente o acesso a um dos rios mais virgens da Patagônia. Tem outra propriedade de 35 mil hectares na mesma província, mais outra, de 5 mil hectares, na Terra do Fogo. Ted só comprou terra nos EUA e na Patagônia.
Villa Traful é um vale verde, privado, que cerca o espetacular lago de mesmo nome – e faz pensar que dessa matéria são feitos todos os Xangrilás, antes do advento do Facebook. Comprar terras em Traful, nos anos 1990s, era sopa. Quem sabia jogar o jogo rapidamente virou proprietário da terra pública em torno do lago. Agora, a festa acabou. Só Jorge Sobisch, de família de emigrados croatas, ex-governador da província de Neuquen que quer ser presidente, já praticamente vende tudo, todos os dias, para gigantescas massas de turistas.
Mas, acima de tudo e todos, toda essa terra pertence a Ted Turner. Turner é proprietário de La Primavera, estância cinematográfica de 5 mil hectares na boca do rio Traful. Ali pesca, como abençoado, a melhor truta e o melhor salmão que a natureza consegue gerar. Jane Fonda era doida por La Primavera. Tompkins era hóspede frequente, além de George Bush pai e Henry Kissinger. A área é policiada por satélite. Estive lá no inverno, tudo vazio e gelado. Assim, não tive o prazer de navegar em águas que pertencem a Ted Turner. Claro. Ted jamais se deixa ver na Vila Traful – mas sabe-se que visita a estância La Primavera algumas vezes por ano.
Assim árvores milenares até onde a vista alcança, abundam os sinais de queLewissó pensa, mesmo, em construir um Estado de fato, dentro do Estado
La Primavera foi fundada, de fato, por um dentista norte-americano e ex-vice cônsul dos EUA em Buenos Aires, George Newbery, em 1894. George e Ralph Newbery (pai do famoso aviador Jorge, cujo nome hoje decora o portal de entrada de um dos aeroportos de Buenos Aires) convenceram-se de que, para povoar a Patagônia, o melhor seria importar cowboys do Texas.
Assim, já desde o início do século 20, temia-se, em todo o norte da Patagônia, uma onda de colonização yankee. Mas a fonte de cowboys exilados do Texas logo secou. La Primavera foi vendida para um inglês, depois para um francês, depois para um argentino, até que, finalmente, pousou no colo de Ted Turner, que andava profundamente envolvido num projeto conservacionista – ou expansão territorial – de 2 milhões de hectares em Montana, Novo México e Nebraska. Mas, sobre a Patagônia, ele jamais negociou nem cedeu um palmo. Coisas de pescador de trutas.
Brit Joseph Lewis, dono da 6ª maior fortuna do Reino Unido, conhecido na Patagônia como “Tio Joe”, por causa de incontrolável mania de fazer filantropia, controla todos os 14 mil hectares de terra em volta do sublime, indescritível Lago Escondido, a 92 km de Bariloche, junto à fronteira com o Chile. Controla também toda a bacia do premiado rio Azur. O ultradiscreto Lewis, que vive entre Londres, Orlando, as Bahamas e a Patagônia é alto tubarão da especulação financeira, além de acionista da pesquisa genética. As garras de seu Tavistock Group estão pousadas sobre tudo, do petróleo e gás da Sibéria, aos sapatos e roupas marcas Puma e Gottex.
A Xangrilá andino-patagônica de Lewis não fica longe de El Bolson, a meca dos hippies argentinos nos anos 1970s, convertida, por transmigração dos espíritos, na primeira prefeitura ecológica do início dos anos 1990s. Nas florestas, ao estilo Tolkien, há árvores multimilenares, os alerces, de madeira lahuan – os organismos vivos mais antigos que há na Argentina, os terceiros entre os mais antigos do planeta. Assim como se veem alerces por todos os lados e até onde a vista alcança, também se veem até onde a vista alcança sinais de que, hoje, Lewis só pensa, mesmo, em fazer o trabalho que caberia às autoridades provinciais e nacionais – quer dizer: em construir um Estado de fato, dentro do Estado.
Em apenas alguns poucos anos, Lewis comprou terras em metragem equivalente a três quartos da cidade de Buenos Aires – mas sob a forma de florestas milenares, glaciares, lagos e rios intocados. Por pouco, não comprou o próprio lago, o que a lei não permitiu. Mas, sim, comprou toda a terra à volta do lago, o que significa que, se você quiser chegar até o lago, tem de viajar por 18 km, em estrada dentro de sua propriedade. Conhecer essa Xangrilá só é possível com ajuda do alto, ou seja, dos guardas de Lewis. Há suspeitas de que Lewis tenha tentado comprar as nascentes de vários rios da região. E, considerando que o Grupo Tavistock está pesadamente envolvido em pesquisa genética e biotecnologia, há suspeitas, também, de que já esteja extraindo e exportando as espécies mais raras que vivem (viviam) na Cordillera.

UMA REVOLUÇÃO COMEÇOU - E SERÁ DIGITALIZADA

2010-12-12T14:16:00.000-08:00

Por Heether Brooke*, do The Guardian
A diplomacia sempre incluiu jantares com as elites dominantes, acertos de bastidores e encontros clandestinos. Agora, na era digital, os relatos de todas estas festas e diálogos aristocráticos pode ser reunido numa enorme base de dados. Uma vez recolhidos em formato digital, é muito fácil compartilhá-los.
Na verdade, é para isso que a base de dados Siprnet, de onde os segredos diplomáticos norte- americanos são vazados, foi criada. A comissão governamental criada nos EUA para avaliar a segurança nacional após o 11 de Setembro fez uma descoberta notável: não era o compartilhamento de informações que ameaçava os EUA, mas o não-compartilhamento. A falta de cooperação entre agências governamentais e a retenção de informações por burocratas desperdiçaram muitas oportunidade para bloquear os ataques contra as Torres Gêmeas. Em resposta, a comissão ordenou uma restruturação dos serviços do governo e da inteligência, para que se adaptassem à própria web. A nova prática era de colaboração e compartilhamento de informações. Mas, ao contrário de milhões de membros do governo e empresas terceirizadas, o público não tinha acesso à Siprnet.
Porém, os dados têm o hábito de se espalhar. Eles escorregam entre a segurança militar e também podem vazar pelo Wikileaks, o meio pelo qual eu obtive as informações. Eles violaram até os prazos de fechamento do Guardian e de outros jornais envolvidos na divulgação da história, quando um cópia clandestina do semanário alemão Der Spiegel acidentalmente chegou às bancas em Basle, na Suíça, domingo passado. Alguém a comprou, entendeu o que ela continha e começou a escanear as páginas, traduzindo-as do alemão para o inglês e postando no Twitter. Parece que os dados digitalizados não respeitam autoridade alguma, esteja ela no Pentágono, no Wikilieaks ou num editor de jornais.
Cada um de nós já viveu, pessoalmente, as enormes mudanças que vêm com a digitalização. Fatos ou informação que considerávamos efêmeros e privados agora são permanetes, públicos e agregáveis. Se o volume dos atuais vazamentos parece grande, pense nos 500 milhões de usuários do Facebook, ou nos milhões de registros mantidos pelo Google. Os governos mantêm nossos dados pessoais em enormes bases. Era caro obter e distribuir informação. Agora, é caro retê-la.
Mas quando os devassa de dados atinge o público, os governantes parecem não se importar muito. Nossa privacidade é disponível. Não surpreende que a reação aos novos vazamentos seja, agora, diferente. O que transformou, num sentido revolucionário, a dinâmica do poder não é a escala das revelações – mas o fato de que indivíduos podem tornar pública uma cópia de documentos do Estado. Em papel, estes vazamentos equivalem, segundo estimativas do Guardian, a 213.969 paginas A4, que teriam, empilhadas, a altura de 43 quilômetros. Algo impossível de vazar com segurança, na era do papel.
Para alguns, a novidade significa uma crise. Para outros, uma oportunidade. A tecnologia está rompendo as barreiras tradicionais de classe, poder, riqueza e geografia – e substituindo-as por um ethos de colaboração e transparência.
Um ex-embaixador dos Estados Unidos na Rússia, James Collins, disse à CNN que a revelação dos registros pelo Wikileaks “impedirá que as coisas seja feitas de forma normal e civilizada”. Muito frequentemente, “normal” e “civilizado” significa, na linguagem diplomática, fazer vistas grossas para injustiças sociais flagrantes, corrupção e abuso de poder. Depois de ler centenas de documentos, constato que muito dos “danos” que eles provocam é revelação embaraçosa e constrangedora de verdades inconvenientes. Em nome da segurança de uma base militar num dado país, nossos líderes aceitam um ditador brutal que oprime seu povo. Isso pode ser conveniente a curto prazo para os políticos, mas as consequências a longo prazo para os cidadãos do planeta podem ser catastróficas.
Os vazamentos não são o problema, apenas o sintoma. Revelam a desconexão entre aquilo que as pessoas desejam e precisam e o que realmente fazem. Quanto maior o segredo, mais prováveis os vazamentos. O caminho para superá-los é assegurar um mecanismos robustos para acesso público a informação relevante.
Graças à internet, esperamos um nível muito maior de conhecimento e participação, em muitos aspectos de nossas vidas. Mas os políticos resistem resolutamente aos novos tempos. Vêem-se como tutores de um público infantil – que não merece nem a verdade, nem o poder real que o conhecimento oferece.
Muito da revolta governamental sobre os vazamentos não tem a ver com o conteúdo do que é revelado, mas com a audácia de quem rompe o que eram fortalezas invioláveis da autoridade. No passado, confiávamos nas autoridades. Se um governante nos dissesse que algo poderia prejudicar a segurança nacional, tomávamos a afirmação como verdade. Agora,os dados crus por trás desta crença estão se tornando públicos. O que percebemos de vazamentos sobre as despesas de parlamentares, ou a cumplicidade de governos com a tortura, é que quando os políticos falam sobre uma ameaça à “segurança nacional”, referem-se frequentemente à defesa de sua própria posição ameaçada.
Estamos num momento crucial, em que alguns visionários, na vanguarda de uma era digital, enfrentam quem tenta, desesperadamente, controlar o que sabemos. O Wikileaks é o front de guerrilha, num movimento global por maior transparência e participação. Projetos como o Ushahidi usam redes sociais para criar mapas onde os cidadãos podem relatar violências e desafiar a versão oficial dos fatos. Há ativistas empenhados em liberar dados oficiais, para que as pessoas possam ver, por exemplo, os orçamentos públicos em detalhe.
Por ironia, o Departamento de Estado dos EUA foi um dos grandes incentivadores da inovação técnica, como meio para levar a democracia a países como o Irã e a China. O presidente Obama exortou regimes repressores a deixar de censurar a internet. No entanto, uma lei que tramita no Congresso permite ao Procurador-Geral em Washington criar uma “lista suja” de websites. É possível acreditar numa democracia forte apenas para assuntos externos?
Os governantes costumavam controlar os cidadãos por meio do fluxo restrito de informações. Agora, está se tornando impossível vigiar o que a sociedade lê, vê e ouve. A tecnologia permite desafiar coletivamente a autoridade. Os poderosos vigiaram por muito tempo as sociedades, para controlá-las. Agora, os cidadãos estão lançando um olhar coletivo sobre o poder.
É uma revolução, e todas as revoluções geram medos e incertezas. Caminhamos para um Novo Iluminismo da Informação? Ou a revanche daqueles quer querem manter controle a qualquer custo nos levará a um novo totalitarismo? O que ocorrer nos próximos cinco anos definirá o futuro da democracia no próximo século. Por isso, seria ótimo que os nossos líderes respondessem aos desafios de hoje com um olhar sobre o futuro.
–*Heether Brooke é jornalista, escritora e ativista pelo Direito à Informação. Nascida nos Estados Unidos, vive em Londres e colabora com o The Guardian.

LITERATURA DE INDIGENAS DE MÉXICO

2010-12-06T02:26:00.000-08:00

Forjadores de Canto Desconocido
Forjadores de canto de nombre desconocido

Desde hace algún tiempo se sabe que el célebre señor de Teztcoco, llamado Nezahualcóyotl (1402-1472), había sobresalido por su sabiduría y gran capacidad de poeta. Recientes investigaciones muestran que además de él existieron varios poetas prehispánicos que compusieron distintas obras.Para su estudio los distribuiremos según los señoríos en que vivieron: Teztcoco, Mexico, Tenochtitlan, la región poblana, la tlaxcalteca y Chalco y Amecameca.Los forjadores de cantos de la región teztcocana Tlaltecatzin de CuauhchinancoTlaltecatzin fue contemporáneo del supremo gobernante de Teztcoco, Techotlala, que reinó entre los años 1357 y 1409. Era gobernante de Cuauhchinaco, en el actual estado de Puebla, señorío que dependía del reino de Teztcoco. Se conserva un sólo canto de Tlaltecatzin, cuyo tema es el placer en todas sus formas.Nezahualcóyotl de TeztcocoNacido en el año de 1402 (1-conejo) en Teztcoco y muerto en 1472. Hijo de Ixtlixócitl y de Matlalcihuatzin, recibió esmerada educación, tanto en el palacio paterno, como en el calmecac o escuela de estudios superiores. De esta forma pudo adentrarse en el conocimiento de las doctrinas y sabiduría heredadas por los toltecas.En 1431 recibió el señorío de Teztcoco, reinado que duró más de cuarenta años, en los cuales edificó palacios, templos, jardines botánicos y zoológicos. Dirigió además la construcción de calzadas, las obras de introducción de agua a México, la edificación de diques para aislar las aguas saladas de los lagos e impedir inundaciones.En cuanto a su obra poética, son treinta los poemas que se conocen. Entre los grandes temas que tratan están: el de la fugacidad en todo cuanto existe, la muerte inevitable, la posibilidad de decir palabras verdaderas y del enigma del hombre frente a los dioses. El deleite de estos poemas estriba en que permiten un acercamiento al alma y a la belleza de expresión del tan admirado supremo gobernante y poeta Nezahualcóyotl.

LIMITES QUE A ESTRUTURA DAS ORQUESTRAS DENUNICIAM NAS ARTES

2010-12-04T18:31:00.000-08:00

Ao longo do século XX houve uma tendência a abandonar a orquestra como meio privilegiado de expressão musical dos compositores do ocidente, juntamente com o esgotamento criativo das formas musicais tradicionalmente associadas à orquestra, especialmente a ópera, a sinfonia e o concerto e o poema sinfônico. Cada vez que os compositores do século XX voltaram à escrita orquestral e às sua formas tradicionais foi, normalmente, com o intuito de negar a tradição, subvertendo-a. Ressalvas importantes podem ser feitas para um significativo número de compositores que se manteve mais fiel à tradição do século XIX, como os classificados de nacionalistas e de neo-clássicos. Mas mesmo estes recriaram a tradição muito a seu modo, usando uma linguagem sinfônica peculiar pouco parecida com a dos compositores novecentistas, especialmente quanto à linguagem harmônica e às combinações de timbres, mesmo quando mantiveram o grupo orquestral em sua forma tradicional do fim do século XIX.
A tendência ao abandono da grande orquestra e de suas formas tradicionais pode ser comparada a uma crise geral do período que ficou conhecido como Belle époque. Muitos analistas afirmam que foram os artistas os primeiros a sentirem e expressarem esta crise do mundo burguês, que só ficou realmente patente com o estouro da 1ª Guerra Mundial em 1914. De qualquer modo, esta crise dos valores burgueses se fez sentir na escrita orquestral de várias formas. Ficou mais difícil juntar grandes orquestras, o que levou a uma tendência ao uso de pequenos grupos como na Sinfonia de Câmera ou no Pierrot Lunaire de Schoenberg.
A dificuldade em juntar grandes orquestras teve motivos econômicos, inclusive ligados à guerra e às crises que a sucederam. Mas teve muito mais motivos estéticos: a escrita orquestral foi se afastando do gosto do grande público por causa do abandono da discursividade melódica, da harmonia tonal e da regularidade rítmica pelos compositores. Sem a possibilidade de juntar grandes públicos ficou mais difícil financiar grandes orquestras. A própria restrição política imposta à música de vanguarda pelo nazismo e pelo stalinismo levou ao exílio dos compositores radicais e à dificuldade de montar suas obras. Se eles quisessem velas no palco, seria necessário apelar para grupos menores.

DECADÊNCIA DO MODELO EUROPEU

2010-11-17T15:49:00.000-08:00

Por Roberto Savio, da Agência IPS Tradução Caue Seigne Ameni
Com a recente declaração da chanceler alemã Angela Merkel, sobre o fracasso do modelo multicultural na Alemanha, completam-se os sinais de uma onda xenofóbica na Europa. Segundo as pesquisas, se um partido xenofóbico disputasse hoje as eleições alemãs, obteria cerca de 15% dos votos. Mesmo países mais tolerantes, como Holanda ou Suécia, vêm demostrando nos últimos casos, um governo condicionado por partidos que pedem a expulsão dos estrangeiros e o retorno a uma nação pura e homogênea.
Segundo o Fundo de Populações da ONU (2009), a Europa deveria acolher até 2015 pelo menos 20 milhões de imigrantes para seguir sendo competitiva em plano mundial. O envelhecimento da população europeia vem crescendo rapidamente e pela primeira vez os maiores de 50 anos superam os menores de 18. Por este motivo, o sistema de Previdência Social está fadado a sofrer uma forte crise estrutural, se não houver trabalhadores suficientes para pagar as contribuições correspondentes.
Nenhum governo buscou implantar uma política educacional para conscientizar seus cidadãos da importância dos imigrantes para o desenvolvimento nacional. Permitiu-se que se propagassem mitos como a perda de postos de trabalho por parte dos europeus; ou o suposto perigo representado pelos estrangeiros para a ordem pública. Hoje, cerca de 70% das novas empresas são resultado da iniciativa de imigrantes (OCDE, 2009) e somente 1% deles estão envolvidos em atividades criminosas (embora representem uma parte importante da população carceraria).
Se levarmos em conta a condição da Europa como potência econômica, os dados são ainda piores. A balança de pagamentos vem se desequilibrando cada vez mais. Com exceção da Alemanha, os países europeus estão perdendo progressivamente quotas do mercado mundial. Segundo as projeções, se a União Europeia não reverter as tendências atuais, seu PIB será provavelmente superado pela China já em 2015.
Estes dados não chegam aos cidadãos comuns, mas a perda de credibilidade nas instituições europeias é real, assim como um crescente desencanto com as instituições políticas. A pesquisa “Eurobarômetro” de 2010 indica que apenas 52% dos cidadãos estão dispostos a votar.
A mesma situação, embora com sintomas diferentes, apresenta-se nos EUA. A crise financeira, a desocupação, a perda da casa própria por milhões de pessoas, a impossibilidade de aposentar-se e a necessidade de continuar trabalhando para sobreviver, o aumento da pobreza, que alcança um norte-americano em cada dez, o corte de serviços públicos (incluindo educação e infraestruturas estatais) produziram um resultado desconcertante. O percentual de aprovação ao governo de Barack Obama caiu a 43%; e 49% dos entrevistados pela CNN declararam preferir George W. Bush.
As eleições de novembro registraram um forte retrocesso do Partido Democrata, o que tornará ainda mais difícil a segunda metade do governo de Obama. Isso ocorre apesar de o presidente ter feito uma reforma quase completa do sistema de saúde, uma mudança pequena no ensino e ajustes tímidos no sistema financeiro.
Estamos também aqui diante a uma fuga para frente, outra aspirina contra uma doença grave. No caso estadunidense, além dos fatores internos, há a constatação de que esta superpotência vem perdendo a capacidade de cumprir seu “destino manifesto” — segundo o qual seria um país diferente dos demais e estaria destinada, pela universalidade de seu sistema de valores, a governar o mundo.
O Tea Party, um movimento ultraconservador em pleno crescimento nos EUA, é composto por duas grandes vertentes. Uma, quer reduzir o governo à minima expressão. Considera Obama um perigoso socialista, que converterá o país auma segunda Europa. Para evitá-lo, procura cortar ao máximo os impostos e dar liberdade total ao cidadão. A segunda ala crê que a decadência estadunidense deve-se a uma conspiração internacional; e julga que é hora de retomar a posição e de tirar de cena intelectuais ineficientes como Obama.
Esta marcha da Europa e EUA rumo a uma situação de deriva ocorre enquanto China, Índia e Brasil e diversos outros países emergentes – da Indonésia à Malásia; da Coréia à Argentina – marcham num ritmo de crescimento econômico muito superior. Uma das características da crise é que os protagonistas não têm a capacidade de ver mais além de seu próprio mundo.
Segundo as projeções das Nações Unidas (UNCTAD, 2010), a economia chinesa superará a dos EUA dentro de dez anos. Poderá o norte do mundo parar de buscar bodes expiatórios, de fugir para frente? Começará, ao invés disso, a adotar, antes que seja tarde, políticas que respondam aos desafios dos novos tempos? Quem escreve este artículo não esta convencido de que assim seja.

O CRÍTICO VICENTE DE PERCIA INDICA;ACERVO ARTÍSTICO CULTURA DO GOVERNO DE SÃO PAULO

2010-11-11T05:59:00.000-08:00

A exposição Panorama das Coleções reúne algumas das três mil e quinhentas
obras do Acervo Artístico-Cultural dos Palácios do Governo de São Paulo e
contextualiza os espaços que as abrigaram, desde o primeiro palácio sede do
governo, o Pátio do Colégio – do século XIX à década de 1930, quando a
função administrativa desloca-se para o Palácio dos Campos Elíseos –,
chegando ao nosso tempo com os Palácios dos Bandeirantes, do Horto e Boa
Vista.
O critério de seleção de peças para esta exposição levou em conta a
formação das coleções, alguns ícones do acervo, obras e estilos artísticos
que caracterizam as coleções de cada palácio e a memória de fatos
históricos aos quais estão associadas.
Nesta exposição, busca-se mostrar ao público qual a natureza das coleções
de arte que habitam os ambientes dos Palácios do Governo de São Paulo, como
foram formadas, quando foram adquiridas, quais os períodos da História da
Arte aos quais estão ligadas e qual a importância que tiveram esses objetos
ao longo do tempo nos espaços domésticos desses palácios.
Esta exposição também se estenderá aos Palácios do Horto e Boa Vista - em
Campos de Jordão, e se encerrará no dia 29 de maio de 2011.

ANGÚSTIA

2010-10-28T17:33:00.000-07:00

Nas calçadas repletas de gente o isolamento.
Nesta noite a analogia do negrume
cobre os miolos e o ego.

Há pouco colocava Ketchup
e mostarda no cachorro quente,
tomava coca-cola.

Subidamente as mãos ficaram úmidas
debruçadas nos teus cabelos distantes,
desfalecendo no vazio
no silêncio precipitado que corrói: a cabeça, as artérias,
o estomago.

No reflexo somente a consciência
unia o chão a matéria.
Despia a alma duvidosa.
incendiando a inquisição...
Mostrando este poema louco,
vertiginoso,
sem sons,
atritante nos ossos.

Dissolvia o tempo para o último encontro,
apontando todos os fortíssimos erros;
impondo segundo a segundo
com golpes fundos
o prenúncio da derrota,
o mistério de chorar.
Vicente de Percia- “Brasil da Silva: Mistério de Chorar, Edit/ Achiamé, Rio de Janeiro, 1ª edição 1982

PRECONCEITOS QUE DESAFIAM A ARTE- PARTE DO ENSAIO DO CRÍTICO VICENTE DE PERCIA

2010-10-15T21:03:00.000-07:00

Um dos fatores que levam à distorção em relação à obra de arte é o preconceito motivado pelo “novo” e a indução às opiniões contraria a certas obras, principalmente por elas serem de agrado do grande publico. Existe uma irritabilidade por parte de alguns “intelectuais” de que quando o hermetismo está ausente e a informação é captada com facilidade ela não possua conteúdo preciso. Como se a arte não pudesse evoluir presa as linguagens de “fácil” compreensão. A razão disto está na rejeição aos chamados materiais, instrumentos e suportes tradicionais em função de outros mais modernos vindos com o desenvolvimento da tecnologia.
O artista iniciante na sua grande maioria busca o sucesso rápido e com isto não pretende em hipótese alguma passar por estágios necessários para compreender a extensão da arte e familiariza-se com seus múltiplos exercícios. Um dos fatores que proporciona esta postura são os processos subjetivos adotados atualmente inclusive pelo mercado. Nada mais cômodo que esquecer as qualidades e voltar-se para uma linguagem sem profundidade, descartável. Esta permissão surge mediante a um consentimento crítico que não desenvolve uma análise mais profunda acerca da tarefa artística, ora do momento em que há uma mostra, ou seja, o trabalho é exposto deve haver opiniões independes dos erros e acertos.
A criação, certamente utiliza-se de processos objetivo-subjetivo do artista e tem como fonte para o seu processo de linguagem além da ideia que complementa o pensamento um aprendizado e tentativas criativas que podem ser mais complexas. Cabe, pois avaliar coerentemente os estágios que possam trazer à tona tônicas que sirvam para avaliar a criação. Estas fases são múltiplas, intermináveis e fazem parte de um mergulho na busca e sedimentação de identidades que completem o avanço da qualidade e o embasamento estético visual.

Vicente de Percia

VIRUS, VRMES E COMUNICAÇAO

2010-10-13T20:11:00.000-07:00

Por Muniz Sodré

Em sua coluna semanal (O Globo, 22/9), o poeta e ensaísta Francisco Bosco vale-se da hipótese da "compulsão à emissão", formulada pelo crítico alemão Christoph Türcke, para falar do horror ao vazio que assaltaria a sociedade contemporânea, levando-a a manter-se ocupada o tempo todo em torno de e-mails, Facebook, Orkut, Twitter etc. Aliás, daí surge aos poucos uma curiosa linguagem: o verbo "tuitar", por exemplo. Até mesmo Barack Obama, dizem, tuíta. O comentário da coluna coincidiu com a notícia, no mesmo dia, do ataque de hackers ao Twitter. Segundo a imprensa, durante horas uma enxurrada de mensagens se espalhou pelo Twitter com piadas, pornografia e vermes. Até então se falava de vírus, mas estes, ao que consta, são programas com um número adequado de instruções transgressivas. O verme é uma inovação em matéria de software transgressor, uma vez que realiza com poucos signos a sua tarefa de violação do campo comunicativo alheio. E mais: o verme desencadearia por "conta própria" efeitos suplementares, atinentes à lógica interna da máquina e de sua linguagem. Estes dois tópicos, se bem examinados, podem lançar alguma luz sobre as relações entre a atualidade política e o espaço público brasileiro, no quadro das discussões sobre mídia e opinião pública. A primeira coisa a se sublinhar é que o desenvolvimento das democráticas ferramentas de comunicação – dentro da dinâmica de convergência entre as telecomunicações, a informática e o audiovisual – em nada democratizou a natureza oligopolística do império transnacional das tecnologias de informação e comunicação. Cerca de uma dezena de gigantes da multimídia controlam em torno de 90% dos mercados midiáticos mundiais, em termos de equipamentos, redes e conteúdos. A hipótese de mediações culturais Isso não é nenhuma novidade. Em torno dessa realidade oligopolística, giraram ao longo do último terço do século passado as críticas dirigidas pelos "pós-modernistas" à mídia ou ao que se vem chamando de "sociedade do espetáculo". Este prisma analítico, popularizado no meio acadêmico pelo teórico francês Guy Debord, é matéria corrente em teses, conferências e livros.
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Movido pelas concepções frankfurtianas no sentido de uma sociedade regida pela "administração total", Debord fez do espetáculo o conceito unificador de uma enorme variedade de fenômenos, sob a égide do turbo-capitalismo ou da sociedade de mercado global. De um lado, havia o momento histórico em que o consumo parecia atingir a ocupação total da vida social; de outro, a evidência da exploração psíquica do indivíduo pelo capital. O espetáculo impunha-se, assim como uma verdadeira relação social, em meio à qual emergia a imagem como uma espécie de forma final da mercadoria, reorientando as percepções e as sensações. Entretanto, com o desenvolvimento da comunicação eletrônica e o advento das chamadas "redes sociais" na internet, torna-se necessário revisar alguns aspectos dessa teoria do espetáculo porque esta supõe um espaço público unificado e "culturalizado" pela mídia. Não que tenha desaparecido o fascínio do espetáculo, que deu lugar, num determinado instante, a uma hierarquia classificatória da cultura (elitista, intermediária, popular) e à hipótese de mediações culturais.

OBRA DE VICENTE DE PERCIA EM LEILÃO 28 DE SETEMBRO EM SÃO PAULO - ARTEEVENTOS

2010-09-22T19:47:00.001-07:00

Lote 96 - Tinta acrílica s/ tela, técica mista, 2010. "O Simbolismo Cósmico na obra de Vicente de Percia mostra a superabudância da realidade, trata-se de um expressionismo forte em um território que reitera a cosmogonia do Escritor,Crítico, Fotografo e artista plástico. O primeiro contato que tive com ele, foi Cayenne, na Guiana Francesa quando participávamos como jurados do" I- Reencontrée d' Art International Intercaraíbes, mostra que estendeu-se para sítios do Caríbe e Europa.O facto da sua selecção e de seus textos revelavam a interrelação das ciências voltadas para a especulação do senso- de- observação. Tinha então como parceira de tarefas a saudosa Andrée Locan. Perceber e deixar-se envolver pelo "real" é integra-se a questionamentos :"ce n'était pas gai d être jeune en ces temps-ci". porque continuamos a captar o prazer de sentir e avaliar o contexto do existencial. O maior desafio da arte actual está em saber preservar o individual, usando as antenas disponíveis e acreditando no racionar que busca verdade se com isso aceitar que se se nega a si é porque nada mais a a fazer. Toda esta reflexão foi feita em cima da tarefa desta obra fotográfica e no que ela traz como imagem mais ampla de um artista" Lisboa, Portugal, 2009. Art- Critic :Maria joão Machado

O CRÍTICO VICENTE DE PERCIA TRANSCREVE ENTREVISTA DO CURADOR DA 29ª BIENAL DE SÃO PAULO

2010-09-21T17:17:00.001-07:00

"Infelizmente, o posicionamento de legitimar "artistas" que picharam a Bienal de 2008 em nada fortifica o tema escolhido: Arte e Política. Na época não houve nenhuma transgressão que focalizasse um chamamento condizente para acrescentar algo ao circuito da arte. Com este posicionamento da atual curadoria ficaram alijados artistas brasileiros que tiveram uma trajetória importante e participativa em relação a arte e uma atividade política."

Vicente de Percia

“Pixo” na Bienal de São Paulo provoca racha nas artes

FERNANDA MENA
da Reportagem Local

Acusados de vandalismo e terrorismo, os líderes do grupo que invadiu e pichou o andar vazio da Bienal de São Paulo em 2008 vão entrar na 29ª edição, em setembro, da mostra com credencial de artista.

O que você acha dos pichadores na Bienal de SP? Vote
“Pixo” na Bienal de São Paulo provoca racha nas artes

A participação foi confirmada à Folha pela curadoria, que descreveu os pichadores como “artistas brilhantes”, apesar de “tratados como marginais”.

Moacir dos Anjos, curador da 29ª Bienal de São Paulo, no parque Ibirapuera, em São Paulo

Com isso, a Bienal entra num fogo cruzado daqueles que tomaram partido de invasores ou de invadidos, e que agora polemizam sobre a iniciativa. É demagogia? Legitima uma ação destrutiva? Coopta uma vanguarda transgressora?

Para o curador Moacir dos Anjos, a aposta não é em respostas fáceis, mas justamente na elaboração de questões.

Leia, a seguir, íntegra da entrevista concedida pelo curador-geral da mostra à Folha.

Folha – Por que incluir os pichadores da 28ª Bienal na 29ª edição do evento?

Moacir dos Anjos – Em primeiro lugar, é preciso deixar claro que nosso intuito não é incluir ‘os pichadores da 28ª edição’. Não se trata de um pedido de desculpas ou de um confronto com a edição anterior do evento. O que realmente queremos incluir na presente edição da Bienal é a pixação, ou simplesmente o pixo, com ‘x’ mesmo, grafia usada por seus praticantes para diferenciar o que fazem hoje em São Paulo das pichações político-partidárias, religiosas, musicais, ou mesmo ligadas à propaganda que há vários anos enchem os muros e paredes da cidade, a despeito do quão ‘limpa’ ela queira apresentar-se. E queremos incluí-lo porque achamos que o pixo borra e questiona os limites usuais que separam o que é arte e o que é política. E essa é uma questão que interessa muito ao projeto curatorial da 29ª Bienal.

Lembro que política é aqui entendida não como espaço de apaziguamento de diferenças, mas justamente o contrário. Ou seja, como o espaço formado pelos atos, gestos, falas ou movimentos que abrem fissuras nas convenções e nos consensos que organizam a vida comum. Ou seja, como bem coloca o filósofo francês Jacques Rancière, política entendida como esfera do “desentendimento”.

Essa é uma questão que, evidentemente, envolve uma série de dificuldades para que essa aproximação não se dê somente na superfície e, portanto, escamoteando as diferenças existentes, situação que não interessaria nem a nós nem aos pixadores. A nossa aposta é em descobrir formas novas de tratar do assunto com integridade de ambas as partes, sem que instituição e pixadores cedam completamente ao universo da outra.

Folha – Como você avalia o episódio da invasão da 28ª Bienal por pichadores e a reação da instituição?

Dos Anjos – A invasão foi, sem dúvida, uma provocação e um protesto frente a uma situação de exclusão a que aqueles que a protagonizaram (os pixadores) são submetidos em seu dia-a-dia em várias instâncias da vida comum na cidade de São Paulo e, no caso particular, do meio institucional da arte. Não estou com isso dizendo que a endosso, mas que é assim que a entendo.

A resposta da instituição naquele momento foi, a meu ver, inadequada, pois reduziu o incidente, seja pelas ações que tomou seja pelas que deixou de tomar, a um caso policial. Se é verdade que houve infração de regras e de leis por parte dos pixadores, não existiu o esforço necessário, por parte de uma das maiores e mais importantes instituições culturais do país, de entender as razões do ocorrido. Acho que essa postura não faz jus ao importante protagonismo público que a Bienal pode exercer na cidade e no Brasil, gerando conhecimento novo sobre o assunto.

Folha – O convite/a participação do picho na Bienal é um atestado, portanto, de que a 28ª Bienal errou? Por quê?

Dos Anjos – Não é intenção da curadoria, em absoluto, incluir o pixo para ‘reparar’ um suposto erro cometido pela Bienal no passado. Como também não é intenção da curadoria ‘cooptar’ o pixo para evitar novos conflitos que poderiam eventualmente se repetir. Entendemos que a situação é outra, e nosso objetivo é atuar, nesse novo contexto, da forma que achamos mais coerente tanto com o projeto curatorial da mostra quanto com a visão que temos do lugar do pixo da teia cultural da cidade.

Folha – Isso não é demagogia?

Dos Anjos – Seria demagogia se estivéssemos simplesmente convidando pixadores da mesma forma que tantos outros artistas estão sendo convidados. Mas nós sabemos que essa igualdade não existe, e eles evidentemente também sabem. O que nos interessa é justamente tentar entender essas diferenças, e os limites e as possibilidades dessa aproximação. E é isso que também acho que interessa aos pixadores. Ninguém está tentando escamotear nada. Tudo está sendo feito às claras. A aposta é na explicitação de questões, não no oferecimento de respostas fáceis. E como as questões precisam ser melhor formuladas tanto por nós, pertencentes ao chamado ‘campo da arte’, quanto pelos pixadores, nosso empenho é demonstrar que a Bienal de São Paulo pode ser plataforma privilegiada para a formulação dessas questões. Se conseguirmos ao menos isso, acho que já teremos dado uma contribuição relevante para o início de um debate mais amplo e consequente sobre o assunto.

Folha – Como se deu a aproximação entre pichadores e a atual curadoria?

Dos Anjos – Os eventos de 2008 tiveram o mérito de fazer com que muitas pessoas e instituições se empenhassem na tentativa de entender o que estava implicado no episódio. O Ministério da Cultura, por exemplo, buscou estabelecer um diálogo com o grupo de pixadores envolvidos, empenhando-se em tentar entender as complexas razões que levaram ao surgimento dessa gigantesca cena do pixo em São Paulo. Acho que esse movimento foi importante na preparação para uma conversa menos tolhida por preconceitos mútuos entre a Bienal e os pixadores.

O anúncio de que a 29ª Bienal teria como foco a questão da relação entre arte e política foi o outro elemento-chave que levou os pixadores a fazerem o primeiro contato buscando estabelecer uma conversa, posto que entenderam que haveria ali uma possibilidade de dar visibilidade a questões que foram (e ainda são) muito mal entendidas pela maioria da população. O papel da curadoria, nesse processo, é justamente propor estratégias de inserção do pixo na exposição que, contudo, não o “domestiquem”, tornando-o algo passível de fácil inserção em um mercado sedento por novidades para serem vendidas.

Folha – Como essa aproximação foi vista pela Fundação Bienal? Houve algum tipo de objeção inicial? Caso tenha havido, como foi contornada?

Dos Anjos – A direção da Fundação Bienal não interfere nas escolhas e nas estratégias da curadoria da mostra, agindo sempre de modo respeitoso e depositando confiança nos curadores convidados para a realização do evento. Nós curadores, por outro lado, temos a medida de nossa responsabilidade quando propomos questões passíveis de gerarem desconforto ou polêmica. Temos absoluta certeza, contudo, que é exatamente esse o papel de uma Bienal de arte: criar fissuras nos entendimentos estáveis do que é ou do que pode ser arte. Independentemente do foco temático da presente edição, creio que a Bienal de São Paulo tem a obrigação de, nesse sentido amplo, ser sempre política.

Folha – De que maneira os pichadores se encaixam no projeto curatorial de arte e política?

Dos Anjos – O pixo é uma manifestação visual que traz, embutida nas práticas dos pixadores e nas imagens que eles criam sobre os muros e edifícios da cidade, uma visão de mundo que simplesmente não cabe nos acordos que regem e limitam a vida comum na cidade de São Paulo. E apesar disso o pixo está aí, cobrindo toda superfície de parede disponível, forçando sua passagem em um país cujas elites ainda preferem ignorar as graves fraturas sociais que existem. Dando visibilidade a algo que de outro modo não seria visto. E falando de algo que, não fosse justamente pela grafia aparentemente cifrada que os pixadores usam, dificilmente seria dito. Nesse sentido, pixo é política. E nesse sentido, é arte também.

Folha – Picho, então, é arte?

Dos Anjos – Nesse sentido em que falei, sim. Na verdade, a questão a se fazer é outra, que poderia ser formulada nos seguintes termos: Se o pixo é exposto numa galeria ou numa Bienal, permanece sendo arte? É com essa aparente contradição que teremos que lidar na 29ª Bienal. Pois se o que faz o pixo ser arte é justamente o fato dele desconcertar nossos sentidos e nos fazer admitir, mesmo quando estamos no conforto de nossos carros ou da janela de um apartamento alto, que existem outros modos de entender e de inventar o mundo, o que acontece se o pixo é trazido para o ambiente controlado, conhecido e decodificado do chamado ‘campo’ da arte? Ele mantém a sua potência ou se torna mera ilustração ou lembrança de si mesma? É esse desafio que curadores e pixadores tem que enfrentar juntos, de modo que ultrapassem duas situações simétricas e igualmente indesejadas: por um lado, a simples rejeição ao que causa desconforto; por outro, o desejo de cooptar o diferente para torná-lo igual a nós mesmos.

Folha – Mas picho também não tem um aspecto de vandalismo?

Dos Anjos – De uma perspectiva meramente legalista, a resposta obviamente é sim. Porém, essa é uma maneira de ver a questão que mais esconde do que revela. Afinal, o grafite também ocupa espaços na cidade que não são propriedade dos grafiteiros, e nem por isso estes são criminalizados de modo tão inequívoco como os pixadores. Na verdade, como bem sabemos, muitos grafiteiros são hoje considerados artistas, tendo seus trabalhos expostos em museus e vendidos em galerias de arte. O que produz essa diferença de percepção? Arriscaria dizer que é a opacidade do pixo em relação à transparência do grafite. Ou seja, que é o incômodo causado por algo que não se deixa apreender por códigos conhecidos, quando comparado ao conforto sentido quando se depara com uma imagem reconhecível e produzida por uma prática autorizada, como é hoje a dos grafiteiros.

Folha – A participação reforça a passagem, cada vez mais comum, da arte de rua para as galerias? Quais os prós e contras dessa passagem?

Dos Anjos – Se o resultado da participação do pixo na Bienal de São Paulo for reforçar essa passagem “da rua para as galerias”, teremos fracassado inteiramente em nosso intento. Não é isso que queremos, ainda que fazer essa travessia possa melhorar materialmente a vida dos pixadores que a façam. Mas então o que se fará não será mais pixo, mas apenas uma representação gráfica do pixo. Aqui, como em tudo na vida, é preciso fazer escolhas. E escolhas têm consequências. Por isso que não queremos impor aos pixadores formas de participação do pixo na Bienal. Queremos construir juntos essas formas de participação. Mas de antemão já sabemos, curadores e pixadores, que trazer o pixo como mera expressão gráfica que se vale de um suporte bidimensional para dentro do prédio da Bienal não interessa, não resolve coisa alguma. Esse seria o caminho mais curto para destituir o pixo de sua força transgressora e de sua originalidade. Interessa-nos mais descobrir formas de compreender e de ativar, a partir da Bienal, os significados do pixo na cidade de São Paulo. Para tanto pretendemos fazer uso de estratégias diversas de documentação (fotografias, vídeos, coleções de tags) e de discussão. Estratégias que não se confundam com o pixo propriamente dito, já que esse só existe como tal nas ruas, mas que evoquem, desde o interior do mundo da arte, o fato de que nem tudo que é arte a Bienal é capaz de abrigar ou de entender plenamente.

LARGO DE SÃO FRANCISCO NO RIO DE JANEIRO - UM MAFUÁ

2010-09-19T14:20:00.000-07:00

Triste imagem a do histórico Largo de São Francisco no Rio de Janeiro. Um logradouro totalmente abandonado repleto de camelos, sujo, abandonado é a imagem repetitiva do descaso dos nossos governantes em relação à sofrida "cidade maravilhosa". Os desavisados que buscam uma referências aprazível nesta região e nas proximidades saem decepcionados e sentem-se enganados ao se depararem com a realidade.

O Largo de São Francisco de Paula é um dos mais antigos logradouros da cidade do Rio de Janeiro, no Brasil.
Em sua origem, o logradouro era apenas uma lagoa fora dos muros da cidade, à altura da antiga rua da Vala (hoje rua Uruguaiana), atrás da Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Pretos. Ao assumir as suas funções, o Governador e Capitão-Geral da Capitania do Rio de Janeiro, Gomes Freire de Andrade, 1º Conde de Bobadela (1733-1763), determinou a expansão da malha urbana para além da vala, ordenando o aterro e o arruamento da antiga lagoa da Pavuna, projeto que ficou a cargo do engenheiro militar José Fernandes Pinto Alpoim: este riscou e construiu uma vasta praça (1742), onde seria construída a nova Catedral da Sé do Rio de Janeiro, dada a ruína da antiga, a Igreja de São Sebastião do morro do Castelo.
Originalmente denominada como Praça Real da Sé Nova, em 1749 foram lançados os alicerces para a edificação da nova Catedral da cidade, paralisadas em 1752, posteriormente reiniciadas, para serem novamente paralisadas quando do falecimento de Gomes Freire.
Em 1808, com a chegada da Família Real Portuguesa ao Brasil, os alicerces da catedral foram aproveitados para a construção de uma Escola Central, depois Academia Real Militar e Escola Politécnica e que hoje é próprio da Universidade Federal do Rio de Janeiro onde está sediado o Instituto de Filosofia e Ciências Sociais (IFCS).
Posteriormente denominou-se Largo de São Francisco de Paula por nele estar levantado o templo da Irmandade Terceira de São Francisco de Paula, que tinha ao lado o Hospital para tratamento dos Irmãos.
À época da Proclamação da República Brasileira, foi oficialmente denominado de Praça Coronel Tamarindo, toponímia que a população jamais incorporou.
Foi calçada pela primeira vez em 1817, para as festas que seriam realizadas no ano seguinte por ocasião da Coroação de D. João VI, após o falecimento de sua mãe, a rainha D. Maria I.
No centro da praça foi inaugurada solenemente, em 7 de setembro de 1872, a estátua do Conselheiro José Bonifácio de Andrada e Silva, patriarca da Independência do Brasil, executada pelo escultor francês Augusto Rochet, por encomenda do Instituto Histórico e Geográfico Brasileiro, órgão encarregado da comissão de execução da estátua, por ocasião das comemorações do cinquentenário da Independência.
A Câmara Municipal considerava oficialmente, no ano de 1879, que o largo estava compreendido entre as ruas do Ouvidor, dos Andradas, da Lampadoza (atual Avenida Passos) e Souza Franco (atual Rua do Teatro).
Ao longo de sua história, o Largo de São Francisco de Paula tem sido cenário de manifestações populares e comícios, como aqueles em função do Abolicionismo e da República. Posteriormente, de trabalhadores contra os baixos salários, a longa jornada de trabalho, a carestia e o desemprego, e mesmo, mais recentemente, de integrantes do Movimento dos Sem Terra.

CHAMAMENTOS PARA REVER CONCEITOS E A PRODUÇÃO DA ARTE

2010-09-09T17:42:00.000-07:00

O pós-modernismo invadiu o cotidiano com a tecnologia eletrônica em massa e individual, onde a saturação de informações, diversões e serviços, causam um “rebu” pós-moderno, com a tecnologia programando cada vez mais o dia-a-dia dos indivíduos.
A importância do pós-modernismo na economia foi “mostrar” aos indivíduos a capacidade de consumo, a adotarem estilos de vida e de filosofias, o consumo personalizado, usar bens e serviços e se entregarem ao presente e ao prazer.
Os pós-modernistas querem rir levianamente de tudo, nos quais encaram uma idéia de ausência de valores, de vazio, do nada, e do sentido para a vida.
A sociedade se torna emergente ou decadente, pois são baseadas nas sociedades pós-industriais na informação que tem como referencia o Japão, os EUA e os centros europeus.

O LIVRO DA VIDA " THE BOOK OF LIFE"

2010-08-19T20:02:00.000-07:00

Certamente, estão na exposição as obras da linguagem de forte colorido e mesmo que, por vezes, de referência a temas nada leves como o apartheid racial e as relacionadas à aids (o livro The Book of Life, de prevenção à doença, será distribuído gratuitamente na mostra), são sempre chamativas para um público diverso. "No trabalho dele há a alegria das cores, é sempre fácil de ver", justifica Sharon. No piso superior estão em vídeos, fotografia, documentário e objetos pessoais a menção biográfica a Haring, que esteve em São Paulo em 1983 ao participar da Bienal daquele ano (pintou um muro na Avenida Sumaré, depois, apagado) - e ele gostava do Brasil, vindo outras vezes passear na Bahia.

POLUIÇÃO EM TODOS OS SETORES

2010-08-12T15:45:00.000-07:00

O caos é cultuado na poluição visual como exemplo de progresso. Não há política para conter esta pratica torper. Métodos semelhantes são utilizados em relação ao som e ao lixo. O meio ambiente torna-se insuportável. Os projetos e ações em pratica não conseguem reverter a situação.

FALARES SOBRE A POESIA

2010-08-04T18:30:00.000-07:00

" Na década de 70 é usado para escolher entre Neruda e Vallejo. Você estava indo para Vallejo.
" Olha, eu acho que Neruda é, obviamente, um grande poeta. Mas a poesia se assemelha mais a um ou menos relacionado . Existem grandes poetas que li e não toque em nada , não é sua culpa , minha culpa. Não devemos falar de culpa nisso. É uma questão de afinidade espiritual , a experiência e tudo mais.
"Desde que Adão e Eva, ao que parece, discutimos o que é poesia. Para alguns, a palavra , pelo menos esperado. Para outros, o pensamento mais.
"Vou falar de mim escrever um poema que começa com o primeiro verso , e deve ser capaz de encontrá-lo. E então ele continua a ir , vá , vá em frente e quando você está em um poema não é o mesmo que quando você terminar ou para a esquerda e vê-lo em outro local.
- Você percebe quando você está indo o poema ?
"Quando você está no poema, você não sabe bem o que você está dizendo ... Eu percebo que eu escrevo, mas não o que eu escrevo. Então, quando você ler isso , diz bem, isso é mais ou menos , isso parece errado, ou não alcançado este poema e vai para o lixo.
- O trabalho de correção no texto pode ser uma outra fase de inspiração?
"Em mim não . Eu pouco correcta , ou seja, jogar algo que parece não sair. O poema é ou não é. E então eu percebo que é falho , mas eu começo a compor.
, Tenderia para o fabrico do poema.
"Claro, mas estou falando de mim , há outros poetas que não , não que eles são maus poetas , pelo contrário , são muito bons e é provável que, se eu me dedicar a corrigir, as minhas coisas seriam melhores. Mas para mim o que me interessa é o ato de poesia, e sinto-me traído , se eu começar a corrigir um monte ... Como o escritor é outro quando eu sinto que eu estou editando correto afirmar . E isso não é feito.
"Há autores para quem o ato de escrever é tortuoso. Simenon , que escreveu tanto , disse que "escrever não é uma profissão, mas uma vocação de infelicidade. " Há outros que professam a gozar como um animal que tem sua rotina no olho quando .
"O melhor momento do poema é para mim a sua escrita . Infelicidade vem depois, quando li isso .
" Faulkner disse que ele era um escritor , mas como um poeta falhado. Você se lembra de Cuneo Victor Hugo , o poeta ? Quiosquito tinha um livro para ele e , em seguida, atearam fogo em volta , ele pegou fogo em uma praça de Mendoza. Isso Chuca Cuneo um poeta não diz Di Benedetto, e Tejada Gomez , dizendo romancista fracassado. "Você já tentou um romance?
"Eu tentei uma vez.
- E então?
" E eu tenho a página 30. Como cansado.
"Falando de Faulkner, escreveu: "Porque, se na América , temos , em nossa cultura desesperado ao ponto em que temos de assassinar crianças , não importa por qual razão ou qual a cor , não merecem sobreviver, e provavelmente não vai sobreviver. " Esta parceria , Argentina , seguindo esse raciocínio, "merece sobreviver?
" Survive , de qualquer maneira. A afirmação bombástica Faulkner tem uma pequena falha : ele usa a primeira pessoa do plural e está entre os assassinos. É verdade?
Graham Greene , insistiu em que a natureza humana não é a preto e branco , mas preto e cinza. Para Gelman , como?
, preto, cinza e de todas as cores , mesmo aqueles que não existem na natureza.
"Quando eu nomeado como um "poeta político ", como parece?
- Quer dizer que foi um poeta Arquíloco político? E, no entanto , ele escreveu poemas pacifistas . Você diz que Shakespeare foi um poeta político? E, no entanto , ninguém como ele investigadas as crueldades e desmandos da luta pelo poder. Não estou comparando , é claro , não devemos fazer comparações , como eu disse Gardel. Acredito que a poesia é a palavra de queimada, que seu único problema é a poesia.
" Então nós podemos falar sobre tudo na poesia.
"Você pode falar sobre qualquer coisa. Para amar .

POEMA DE VICENTE DE PERCIA

2010-07-09T20:06:00.000-07:00

ANGÚSTIA

Nas calçadas repletas de gente o isolamento.
Nesta noite a analogia do negrume
cobre os miolos e o ego.

Há pouco colocava ketchup
e mostarda no cachorro quente,
tomava coca-cola.

Subitamente, as mãos ficaram úmidas
debruçadas nos teus cabelos distantes,
desfalecendo no vazio
no silêncio precipitado que corrói: a cabeça, as artérias, o estômago.

No reflexo somente a consciência
união chão a matéria.
Despia a alma duvidosa,
incendiando a inquisição...
Mostrando este poema louco.
vertiginoso,
sem sons,
Atritante nos ossos.

Dissolvia o tempo para o último encontro,
apontando todos os fortíssimos erros;
impondo segundo a segundo
com golpes fundos
o prenúncio da derrota,
o mistério de Chorar.

Poema de Vicente de Percia- "Brasil da Silva:Mistério de Chorar"- edit/ Achiamé, Rio de Janeiro.

POEMA ECHO "IN" CARTAGENA

2010-07-06T18:56:00.000-07:00

EL HOMBRE NO ES TAN VIOLENTO
LA MIRADA MUESTRA EL LINGUAGE
LA CULPA
EL AMOR EN SUS DIFERENTES MATIZES

Vicente de Percia
enero 2010

POEMA DE GARCIA LORCA

2010-07-06T16:11:00.000-07:00

VOLTA DE PASSEIO

Assassinado pelo céu, entre as formas que vão para a serpente e as formas que buscam o cristal, deixarei crescer meus cabelos.
Com a árvore de tocos que não canta e o menino com o branco rosto de ovo.
Com os animaizinhos de cabeça rota e a água esfarrapada dos pés secos.
Com tudo o que tem cansaço surdo-mudo e mariposa afogada no tinteiro.
Tropeçando com meu rosto diferente de cada dia. Asassinado pelo céu !

VICENTE DE PERCIA - POEMA

2010-06-24T18:04:00.000-07:00

COMUNGANDO
Joguei olhares vazios àquela região de vida inóspida.
Atravessada por um único caminho.
Ladeada de rochas.

Toda aquela matéria: estéril,tortuosa, bruta,diminuia minha estrutura.

Bastava um olhar loginguo, para me transformarem pedra.
Eram perguntas -
pois sabia que não via o que via
no começodo caminho -

O corpo se juntou à terra
complascente de seu dever.
No horizonte eu era um todo.
"Brasil da Silva: Mistério de Chorar" de Vicente de Percia 1982,(1ª edição) Edit/ Achiamé, Rio de janeiro em 6ª edição

2010-06-24T17:50:00.000-07:00

COMUNGANDO

Joguei olhares vazios àquela região de vida inóspida.

Atravessada por um único caminho.

Ladeada de rochas.

Toda aquela matéria: estéril,tortuosa, bruta,

diminuia minha estrutura.

Bastava um olhar loginguo para me transformarem pedra.

Eram perguntas -

pois sabia que não via o que via no começo docaminho -

O corpo se juntou à terracomplascente de seu dever. No horizonte eu era um todo. "Brasil da Silva: Mistério de Chorar" de Vicente de Percia 1982,(1ª edição) Edit/ Achiamé, Rio de janeiro em 6ª edição

VICENTE DE PERCIA - OS IMPASSES ENTRE INFORMAÇÃO E ARTE

2010-05-20T15:50:00.000-07:00

Os impasses entre Informações, Arte e Ética
As coisas que nos rodeiam ativam-se através de contínuas informações. Resulta daí uma avalanche de “comunicações”, visando a implantar no público opiniões, cujo objetivo também, inclui a demanda de determinados produtos.
As artes plásticas não fogem a tal contexto, cercadas que são de intensa propaganda, objetivando divulgar e institucionalizar certos segmentos que se propõem enquadrar na tão sonhada “contemporaneidade”. Aliais, tal atmosfera ajusta-se perfeitamente dentro da crise de valores que o mundo e a Arte vivem continuamente.
No dia-a-dia não existem respostas objetivas ou pesquisas coerentes por parte da imprensa que levem o público a aproximar-se de resultados concretos em relação à tarefa artística. É preciso, pois despertar o interesse ou o questionamento sobre as múltiplas criações em voga, usando uma metodologia para instigar o espectador com propostas estéticas que o induzam à reflexão.
Nos noticiários não há um confronto de opiniões, um diálogo de visões acerca de cada objeto artístico exposto, e,sim,uma exaustiva e contínua concordância, o que se torna uma postura estranha para um período tão complexo como o nosso de tantas improvisações e crises.
Na década de 60, a ideia que prevalecia era que a ciência pura poderia ser reaproveitada no domínio da tecnologia. As “obras de arte” procuravam mostrar uma interação entre os dois âmbitos e o artista cedia seus propósitos criativos aos novos materiais oferecidos pela indústria. Era o vigor das luzes,dos efeitos visuais, das transparências em primeiro plano.
E agora diante dos impasses contemporâneos, como estabelecer uma visão ética coerente, que não minimize os valores individuais do Homem e, ao mesmo tempo, desperte para o usufruir das novas oportunidades que a ciência lhe oferece? Como estabelecer esta interlocução criativa, em que os dois setores - a Arte e os artefatos técnicos – em fraterna harmonia, não percam o valor intrínseco inerente a cada uma das partes?
De imediato, convém situar que o novo nem sempre e o melhor e vice-versa, principalmente quando direcionamos a avaliação crítica em função do fato estético
A alta tecnologia e a eletrônica poderão estar presentes na criação, porém sem se distanciarem dos princípios éticos e dos mistérios que envolvem cada ser em sua total humanidade.

PUBLICADO NO ' O CORREIO" RIO DE JANEIRO. diret/ aut/ 003/03 ,2002

VICENTE DE PERCIA FALA DA ESSÊNCIA DO MANDALA - ESTA ALÉM DA FORMA QUE DESENVOLVO.

2010-05-05T17:38:00.000-07:00

OBRA DE VICENTE DE PERCIA

QUANDO TRABALHO O MANDALA PROCURO EXERCITAR UM LADO DIFERENCIAL, TENDO A SER HARMÓNICO COM OS MEUS OBJETIVOS VISUAIS. PERCEBO QUE EXISTE UMA ATIVIDADE SENSORIAL DE ACORDO COM O MOMENTO OU COM CERTOS CENÁRIOS QUE SURGEM POR TRAS DA ABSTRAÇÃO GEOMÉTRICA. POSSO, TAMBÉM CHAMÁ-LOS DE SÍMBOLOS ATEMPORAIS ATRELADOS À UMA FUNÇÃO ONDE AS CORES E OS TRAÇOS SURGEM NA CONFRONTAÇÃO COMIGO MESMO E DIANTE DE MECANISMOS EXISTENCIAIS DOS QUAIS O CAOS NÃO É DESCARTADO. PERCEBO QUE CONSTÂNCIAS MARCAM O MEU ESTILO, POIS É VISÍVEL UMA CONTINUIDADE ESTÉTICA. SÃO CIRCUNFERÊNCIAS, ROSÁCEAS QUE APARECERAM EM DIFERENTES CIRCUNSTÂNCIAS.

O MANDALA É A UNIDADE E SE REVELA POR TRANSITAR POR ESPAÇOS SIGNIFICATIVOS. HÁ OPOSTOS E SEMELHANÇAS COMO CÓDIGOS GENÉTICOS E POR VEZES, PERCEBO QUE SURGEM CONSTRUÇÕES ONDE A ROTA PARECIA PERDIDA. VEJO ELEMENTOS QUE TRAZEM EXPERIÊNCIAS VISUAIS ONDE O BELO ESTÁ PRESENTE POR MAIS QUE A OBRA SINALIZE CERTA IMPACIÊNCIA.

POEMA DE VICENTE DE PERCIA : A CASA NEM COM NEM SEM

2010-04-21T17:29:00.000-07:00

EL ritmo delas horas e olvidado infinidad de formas posibles
Adormece el cansacio
Negativa visiónno oidas incomplementada
sen el ocaso punto de vista el dispersar
Fuese el higado crujiente
un accidente acontecido
una declaracion de amor retratando el mal.
Estállásse los dedos
Para esas extensas cuerdas que nunca se sabe desatar
una determinación de no pedir a la jornada alegrias
La Manzana Enrojecida No Quiero Trabjar En Nete Verano

VICENTE DE PERCIA - prêmio Master deliteratura, 1985/86 -com o livro:"VOAMAR: NÃO QUERO TRABALHAR NESTE VERÃO" edit?Dois Pontos ,Rj. (parte do poema,tradução -Rosa Abbruzzesse zagari -o texto integral em espanhol e português foi lido e debatido no SESC,RJ,em 31/10/2008 )

VICENTE DE PERCIA E MARISA MURAY ENCONTRO DAS ARTES

2010-04-08T17:07:00.000-07:00

Versátil atriz vocacionada para o canto, Marília Pêra já encarnou intérpretes de universos musicais díspares como Carmen Miranda (1909 - 1955), Dalva de Oliveira (1917 - 1972) e Maria Callas (1923 - 1977). Contudo, para entrar na pele de Florence Foster Jenkins (1868 - 1944), a cantora lírica retratada no musical Gloriosa, a atriz teve que desaprender a arte do canto para ter credibilidade no papel da lendária Jenkins, pianista que, por impossibilidade de tocar seu instrumento devido a um acidente, resolve se lançar na carreira de cantora lírica sem ter o menor talento para o ofício. É nesse persistente erro de Jenkins que Marília Pêra acerta mais uma vez e brilha ao protagonizar essa comédia musical que estreou na Inglaterra em agosto de 2005 e chegou ao Rio de Janeiro na sexta-feira, 9 de janeiro de 2009, após breves temporadas de ajustes em cidades como Niterói (RJ) e Santos (SP).Espetáculo de Charles Möeller e Cláudio Botelho, tradução excelente de Marisa Muray, "A Gloriosa" não é propriamente um musical como tantos assinados pela dupla. É, a rigor, uma comédia em que a música assume papel central por conta da devoção cega de Jenkins ao canto lírico. Por errar praticamente todas as notas das árias a que se propunha a cantar, a milionária nascida na Pensilvânia se tornou alvo de piada e de deboche. No entanto, talvez por uma questão de humanidade, fãs ilustres como Cole Porter (1891 - 1964) também iam aos recitais armados pela pretensa cantora nos saguões de hotéis luxuosos. Em suas apresentações, Jenkins contava com o acompanhamento do pianista Cosme McMoon, interpretado com competência por Eduardo Galvão. De início interessado nas vantagens financeiras propostas pela cantora, McMoon aos poucos se deixa seduzir pela personalidade carismática de Jenkins, que chegou a lotar o Carnegie Hall (NY, EUA) em 1944 num recital de críticas tão negativas que, além de destruir a ilusão de Jenkins, a levaram a um enfarte que provocaria a sua morte, algumas semanas depois.Com sua notável habilidade, Marília deixa aos poucos o espectador entrever as fragilidades e carências de Jenkins.

Vicente de Percia, Palestra Itinerante:Paleta Tonal na Obra de Cecília Meireles,SESC Teresópolis,Rj, 15/04/2010,19hs.30min.

2010-03-21T20:37:00.000-07:00

Frase e Poesia de Cecilia Meireles

Pus-me a cantar minha pena com uma palavra tão doce, de maneira tão serena, que até Deus pensou que fosse felicidade - e não pena.
Anjos de lira dourada debruçaram-se da altura.
Não houve, no chão, criatura de que eu não fosse invejada, pela minha voz tão pura.
Acordei a quem dormia, fiz suspirarem defuntos.
Um arco-íris de alegria da minha boca se ergue apondo o sonho e a vida juntos.
O mistério do meu canto, Deus não soube, tu não viste.
Prodígio imenso do pranto: - todos perdidos de encanto, só eu morrendo de triste!
Por assim tão docemente meu mal transformar em verso, oxalá Deus não o ausente, para trazer o Universo de pólo a pólo contente!